Categoria: Drammatico

Scissione – Contro me stesso

Scissione (2022 – …) di Dan Erickson, e diretta da Ben Stiller e Aoife McArdle, è una delle serie tv di punta di Apple TV Plus.

Di cosa parla Scissione?

Mark fa un lavoro molto particolare: non sa quale sia il vero obbiettivo della sua routine lavorativa e in un certo senso…non sa neanche di essere al lavoro.

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Scissione?

Assolutamente sì.

Scissione è un serie di punta della piattaforma non a caso: l’idea di base non solo è particolarmente originale – e legata strettamente alla contemporaneità – ma è anche messa in scena con una coerenza estetica e di scrittura che riesce immediatamente a catturare lo spettatore.

Insomma, se vi intrigano le serie fra il mistero e la fantascienza, è un prodotto imperdibile.

Le seguenti recensioni, divise per stagione, sono state scritte senza avere conoscenza di quanto successo dopo.

Scissione – Stagione 1

Scissione è una serie perfettamente costruita.

Avendo l’occhio un po’ più allenato, si vedono chiaramente i meccanismi narrativi messi in gioco per costruire una trama avvincente e che riesce a rimanere solida senza mai sbilanciarsi nelle rivelazioni prima del tempo.

E la chiave di volta sono proprio i suoi protagonisti.

Risveglio

Adam Scott (Mark S.) in una scena di Scissione (2022 - ...)

Il punto di arrivo di Mark è il risveglio.

A differenza di Helly, le sue personalità dentro e fuori dall’ufficio non differiscono molto: un soggetto sostanzialmente passivo alla vita, ormai rassegnato all’idea di non poter migliorare la sua condizione, ma vivendo anzi con l’idea di dover sopportare tutto quello che gli succede.

E, come si intuisce dagli ultimi episodi, il protagonista è stato selezionato da Lumon proprio per il suo totale annichilimento – orchestrato ad arte? – che lo porta in due anni ad essere il modello di impiegato perfetto, capace anche di guidare una squadra.

Eppure Mark non è ignaro…

Adam Scott (Mark S.) e Tramell Tillman (Mr. Mikchick) in una scena di Scissione (2022 - ...)

…anzi si dimostra fin da subito piuttosto consapevole delle insidie del suo lavoro, ma, proprio privato della sua identità, dei suoi valori e dei suoi affetti, è ancora di più un soggetto vuoto, apparentemente molto innocuo, incapace di ribellarsi.

Ed è tanto più deliziosamente paradossale che uno dei trigger della sua progressiva presa di coscienza sia il libro del cognato, che per il Mark è outie è un coacervo di banalità e sciocchezze senza senso, mentre per il Mark innie è lo strumento della sua epifania.

L’altro è il Helly.

Ribellione

Adam Scott (Mark S.) e Britt Lower (Helly) in una scena di Scissione (2022 - ...)

Scissione ha bisogno di due forti protagonisti.

Infatti, se ci affezioniamo a Mark e tifiamo per la sua presa di consapevolezza, ci ritroviamo al contempo in Helly e nella sua strenua ribellione, che ben riflette l’angoscia che da spettatori proveremmo nel trovarci al suo posto, intrappolata in una vita miserabile e dagli orizzonti molto limitati.

E insieme a lei scopriamo gli orrori di un sistema aziendale che svuota il suo dipendente e gli toglie ogni possibilità di un contatto con l’esterno, costringendolo ad una tecnologia ormai desueta ed unicamente finalizzata al lavoro…

…e che lavoro!

Da neofiti come Helly ci appare del tutto incomprensibile un lavoro così emotivo, ma che ben si inserisce in un trattamento infantile del dipendente, basato su punizioni al limite del terrorismo psicologico, che annientano la persona e la fanno vivere in un terrore – e reverenza – totalmente cieca.

E il colpo di scena finale della rivelazione della vera identità di Helly apre le porte ad una riflessione di grandissima importanza sulle differenze lunghezza di vedute di una persona a seconda della sua estrazione sociale, a seconda della sua educazione, arrivando al punto di rivoltarsi contro se stessa.

E infatti il modello Lumon è crudelmente perfetto.

Ingranaggio

Il lavoro è misterioso e importante.

Questa frase facilmente parodiata da Helly riassume perfettamente il modello aziendale di Lumon.

Il lavoro è misterioso perché nessun dipendente non solo non deve, ma, soprattutto, non ha bisogno di conoscere il significato del suo lavoro, ma deve sottostargli semplicemente perché lo stesso è importante per la riuscita dell’intera azienda.

Mr Milchick in una scena di Scissione (2022 - ...)

In questo modo il dipendente non è altro che un ingranaggio di una macchina perfettamente oliata, costruita ad arte sulla base di neonati pronti a farti guidare verso l’accettazione di quello che sembra più un culto che un lavoro.

Ed il dialogo fra Helly outie e Helly innie, così come il suo scambio col padre e CEO dell’azienda, racconta perfettamente la completa consapevolezza di Lumon nel degrado del suo personale, racconto di un sistema finalizzato a creare una macchina disumana.

E, davanti ad un orrore così plateale, è quando più importante creare una cornice credibile.

Rivelazione

La costruzione progressiva della rivelazione è perfettamente costruita.

Scissione ci tenta fin da subito con il personaggio di Petey, che potenzialmente potrebbe rivelarci immediatamente tutta la verità della storia, ma è impedito da una irrisolvibile confusione mentale, che ci anticipa anche la condizione in cui i protagonisti probabilmente si troveranno quando proverranno a liberarsi.

Le altre strade sono impossibili da percorrere per motivazioni abbastanza comprensibili: i protagonisti o non vogliono sapere nulla – Helly – o non hanno interesse a farlo, in quanto quelli che vengono presi di mira sono tendenzialmente persone sole e in condizioni economiche che li spingono ad accettare qualunque cosa.

E Scissione sa anche giocare molto bene con la puntata finale per non bruciarsi subito la conclusione.

Per quanto sarebbe auspicabile che i protagonisti agissero immediatamente per risolvere la situazione e non avessero ostacoli lungo il percorso, l’ultima puntata è calata in un contesto tutt’altro che ideale, in cui i personaggi sono dispersi in contesti estranei in cui fanno fatica a muoversi.

E allora, sentendo il suono dell’ascensore che chiude la puntata, tutte le nostre speranze sono ormai vane?

Scissione – Stagione 2

Scatola

Tutta la prima parte della stagione è finalizzata a (ri)nchiudere i personaggi in una scatola.

Interessante in questo senso l’idea di sdoppiare la vicenda in due puntate per raccontare i diversi punti di vista, cominciando con il disperato tentativo arginare lo strabordare impetuoso di un caos ormai inarrestabile, tramite le promesse di benefit totalmente illusori per risolvere la questione.

In questo senso Scissione racconta a suo modo una contemporaneità piuttosto stringente, in cui il lavoratore, soprattutto quello più giovane, si è ormai risvegliato dal suo torpore, e non accetta più un sistema che lo manipola per il mero guadagno, e lo accontenta con premi di nessun valore.

Tuttavia, forse, la serie tira troppo la corda.

Il momento in cui mi è personalmente – e, per fortuna temporaneamente – sceso l’interesse per la serie è stata la puntata dedicata alla gita fuori porta, ulteriore tentativo di Lumon di portare i suoi dipendenti ad abbracciare la filosofia dell’azienda – o, per meglio dire, di diventare discepoli del suo culto.

Britt Lower (Helly) in una scena di Scissione (2022 - ...)

Questo frangente mi è sembrato molto contraddittorio, in quanto spargeva molti indizi concreti sulla religione di Kier – in parte ancora raccontati nella puntata dedicata a Ms. Cobel – ma, al contempo, si concentrava prettamente sui suoi personaggi, dando più volte importanza a figure che non erano mai state così protagoniste.

Insomma, per quanto sia consapevole che la stagione non poteva rivelare fin da subito tutte le sue carte, avrei preferito un approfondimento maggiore riguardo la mitologia di Scissione, piuttosto che mettere in scena dinamiche dall’interesse molto limitato – come la sostituzione di Helly, che si risolve fin troppo velocemente.

Infatti, i lati interessati della stagione sono da ricercare altrove.

Smarrimento

La ritrovata importanza di Gemma nella seconda stagione di Scissione è stata anche la parte più vincente.

In una sola puntata si è riusciti a tratteggiare con abbastanza precisione l’andamento del loro rapporto, che si è andato a spezzare proprio nel momento di massima crisi, costringendo entrambi nella condizione di topi di laboratorio su cui viene sperimentata una non meglio precisata dissoluzione del dolore.

Di fatto, Gemma è stata scorporata esattamente in venticinque personalità, ognuna costretta ad una situazione totalmente diversa, ma definita da un comune denominatore: il profondo dolore, parte di un pacchetto di emozioni che lo stesso Mark S. è incaricato di ripulire da ogni sensazione negativa.

E, anche se la serie non lo racconta esplicitamente, è forse abbastanza semplice comprendere il progetto Cold Harbor.

È quanto mai probabile che le sperimentazioni di Kier fossero finalizzare a trovare un modo per eliminare ogni sentimento dolore, anche il più insopportabile, creando una barriera mentale che scinde l’identità angosciata in una invece che non ne ha alcuna e quindi è più felice.

Eppure, c’è una scheggia…impazzita?

Esistenza

Mark S. ha diritto di esistere?

Come Helly nella prima stagione si trovava strenuamente in lotta con la sua outie, il protagonista nell’ultima puntata si trova a scontrarsi con una consapevolezza sconcertante: il suo innie non vuole morire, non ha interesse ad essere secondo rispetto a lui, né ad abbandonare il microcosmo che si è creato.

Che questa sia un’idea della stessa Lumon è troppo presto per ipotizzarlo, ma di fatto Mark si riscopre impossibilitato a riprendersi in mano la sua vita perché il suo alter ego ha costruito una personalità e delle relazioni talmente importanti che si rifiuta infine di lasciarle da parte…

…non volendo di vivere in un mondo dove Helly R. non solo è una sconosciuta, ma la sua stessa oppositrice.

Quindi, in un certo senso, la vittoria di Kier è lo stesso Mark S.?

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M – E sarete anche voi f…

M – Il figlio del secolo (2025 – …) è una serie tv italiana basata sull’omonimo romanzo storico di Antonio Scurati, con protagonista Luca Marinelli nei panni di Benito Mussolini.

La serie TV è stata co-prodotta da Sky Studios e distribuita in esclusiva sui suoi spazi.

Di cosa parla M – Il figlio del secolo?

Rivolgendosi direttamente allo spettatore, Mussolini si racconta nella sua ascesa al potere.

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere M – Il figlio del secolo?

Assolutamente sì.

A più di un secolo di distanza dall’inizio del Ventennio, non avevamo bisogno di un altro prodotto incolore sul tema – come d’altronde neanche l’ennesimo film sull’Olocausto condito con un pietismo molto spicciolo – che non aggiungesse niente di nuovo alla discussione…

…e proprio per questo M – Il figlio del secolo è la serie di cui avevano una disperata necessità, capace di farci veramente comprendere le dinamiche dietro alla rapida ascesa di Mussolini, creando, proprio come quella meraviglia di La zona d’interesse (2023), un dialogo diretto con il presente.

Insomma, non ve la potete perdere.

Per semplicità e per distinguere la figura storica da quella della serie, qui di seguito Mussolini portato in scena da Marinelli sarà chiamato semplicemente M.

Promessa

M – Il figlio del secolo si apre con una promessa:

Seguitemi, anche voi mi amerete, anche voi diventerete fascisti.

E già così, M racconta tutto sul suo personaggio.

Infatti il dialogo che il protagonista intraprende con noi è finalizzato a convincerci ad apprezzare le sue idee, la sua figura, mostrandosi con i suoi pensieri, paure ed emozioni così da rendersi più umano e vicino a noi, pur in tutte le sue contraddizioni.

Ed è un percorso pericolosissimo, che rischia in ogni momento di cadere nel ridicolo, ma che invece riesce nel rendere l’idea di un ributtante macchinatore capace di dire tutto e il contrario di tutto per far trionfare il sogno nascente del superuomo.

In altre parole, M è il figlio del suo tempo.

Super

Mussolini è imbattibile?

Il fascismo – come d’altronde anche il nazismo, pur con finalità differenti – si basava sul raccogliere le macerie di un paese distrutto socialmente ed emotivamente dalla Grande Guerra – da cui, ricordiamolo, non aveva di fatto ottenuto nulla – proprio con la promessa di una rinascita gloriosa.

Proprio per questo la posizione politica di Mussolini è così fumosa e contraddittoria, in quanto non si basa su una specifica parte in gioco, ma bensì sul far emergere un risentimento sotterraneo piuttosto trasversale, e farlo diventare un micidiale strumento di violenza e di distruzione.

Per questo M ha sempre bisogno di giustificarsi ai nostri occhi – e, per estensione, agli occhi del suo popolo – perché non può mai mostrare il fianco alla sua debolezza intrinseca e innegabile: essere un simbolo basato su un ideale irraggiungibile e facilmente trasferibile.

Non a caso, il primo nemico di M è proprio D’Annunzio, l’apoteosi del Superuomo, che già da decenni era stato capace di far innamorare il popolo italiano della sua figura, diventando un personaggio incredibilmente variegato e trasversale in tutti i campi, dalla politica all’arte.

Per questo, nel concreto, la posizione politica di M è così fragile.

Dualità

Il fascismo nasce dal basso…

… ma, per vincere, non può rimanere in basso.

M muove infatti i primi passi dal Partito Socialista, quindi vicino al proletariato e alle rivendicazioni sociali nate in seno alla Rivoluzione Comunista, ma si distacca dallo stesso in quanto troppo timido nel non avere il coraggio di prendere di petto la storia e piegarla al suo volere.

Per questo le prime fila fasciste sono formate da un braccio armato di estrazione popolare, da un gruppo di cani – come lui stesso li definisce – capaci delle peggiori nefandezze pur di vendicarsi dei propri nemici, ma senza che M in persona si sporchi mai veramente le mani.

Infatti, il futuro di M è tutto borghese.

Più il protagonista si avvicina al Parlamento, più si allontana dai primi sentimenti di rivoluzione violenza che lui stesso ha fomentato, proprio a raccontare come il suo appoggio politico fosse una semplice questione di opportunismo, di raccogliere gli umori della parte che più gli faceva gioco in quel momento.

E il vero alleato di M è infatti la tanto odiata borghesia, di cui di fatto comincia a far parte, diventando il più classico arricchito che si dimentica della sua estrazione originaria, che si lascia alle spalle lo squallore della sua famiglia per abbracciare il lusso delle camere presidenziali e dell’amante.

E se questo non bastasse?

Inconsapevolezza

Potevamo fermare il Fascismo?

M – Il figlio del secolo racconta in più momenti come la scalata di Mussolini poteva essere frenata anche con poca fatica, ma che fu avallata proprio dalla totale inconsapevolezza e mancanza di reattività da parte delle altre parti politiche, così litigiose e divise fra loro.

Non a caso in più occasioni sembra che il Fascismo sia finito prima ancora di cominciare: dalla baracconata della Marcia su Roma – un dichiarato bluff piuttosto fortunato – fino allo stresso Delitto Matteotti, che rese manifesta la vera natura del Fascismo.

E proprio in queste occasioni M ci parla direttamente.

Quando Matteotti si scaglia furibondo verso la legge elettorale liberticida, richiamando la Sinistra alla consapevolezza di star dando uno spazio sempre più incontenibile alla minaccia fascista, M ci guarda e ci conferma che no, non si stavano rendendo conto di quello che stava succedendo…

…ma, soprattutto, nel finale di stagione, quando M dà l’esplicita possibilità al Parlamento di eliminarlo dalla scena politica, ma lo stesso rimane inerte davanti alla sua provocazione, in un assordante silenzio che riecheggia ad un secolo di distanza nel nostro drammatico presente.

Dramma familiare Dramma storico Drammatico Film L'altro lato del fronte

Il pianista – Dall’altra parte

Il pianista (2002) di Roman Polanski è uno dei titoli più noti della sua carriera sia, più in generale, del cinema sull’Olocausto.

A fronte di un budget abbastanza contenuto – 35 milioni di dollari – è stato un ottimo successo commerciale: 120 milioni in tutto il mondo.

Di cosa parla Il pianista?

Władysław Szpilman è un ottimo pianista che riesce a conquistare le folle grazie al suo programma radiofonico. Eppure la radio è fra le prime cose che gli toglieranno in quanto ebreo…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Il pianista?

Se vi dicessi assolutamente sì non sarebbe abbastanza.

Il pianista è indubbiamente una delle migliori opere in assoluto sul tema, proprio per la sua capacità di farci spostare l’occhio dai lati più strazianti della vicenda verso una prospettiva diversa, di cui è rimasto ai margini della storia.

Oltretutto, la regia è precisa e perfetta nella sua dovuta freddezza e nel suo consapevole distacco, che permette di inquadrare le vicende con occhio più lucido, guardando oltre l’orrore immediato e riflettendo sullo stesso in maniera ben più profonda e contemporanea.

Insomma, non potete perdervelo.

Flusso

L’incipit de Il pianista è significativo.

Il punto di partenza è la realtà più piccola ed apparentemente protetta della radio, dove il protagonista fa innamorare il pubblico con la sua esibizione, per essere poi drasticamente interrotto da un’esplosione che ne trancia l’esibizione.

È così la macchina nazista che ha fatto irruzione.

Infatti la vicenda comincia in un certo senso in medias res, quando la repressione sistematica degli ebrei è già stata avviata, e Szpilman e la sua famiglia sono già sottoposti alle costanti riduzioni della loro libertà personale, disgregata pezzo per pezzo, diritto dopo diritto.

E vani sono i tentativi dei personaggi di conservare la propria dignità, di vivere sotto traccia, perché è la loro stessa esistenza ad essere minacciata, il loro esistere sotto lo stesso cielo di Hitler e dei suoi seguaci, per cui anche passeggiare su un marciapiede è un delitto.

E già qui si spargono i semi del tema cardine della pellicola.

Passivo

Perché nessuno interviene?

È una domanda quanto mai attuale, che potrebbe farsi uno spettatore sia de Il pianista, sia delle vicende storiche raccontate in toto: il panorama sociale sembra dominato da un popolo di indifferenti o, peggio, di omertosi, financo di complici.

Insomma, una prospettiva piuttosto desolante: oltre alle timide proteste dette a bassa voce, nessuno sembra avere la capacità di ribellarsi e di opporsi effettivamente al potere dominante, e tutti rimangono impotenti ad osservare la storia mentre si compie drammaticamente davanti a loro occhi.

Eppure, Polanski non vuole condannare questo aspetto.

La rappresentazione dell’occupazione nazista è estremamente significativa per comprendere la portata dell’orrore a cui si doveva far fronte: pur nelle loro sfumature, i nazisti sono rappresentati come cani lasciati a briglia sciolta, che agiscono con la consapevolezza di poter rimanere infinitamente impuniti.

Proprio per questo la violenza, come il prepotente schiaffo che Samuel Szpilman ottiene in piena faccia per aver osato passeggiare sul marciapiede, appare improvvisa, irragionevole e senza una logica, se non il puro desiderio di esercitarla.

Di fatto, nessun cittadino polacco, che fosse ebreo o meno, poteva sentirsi al sicuro, in quanto era possibile che persino il più innocente di loro potesse essere casualmente scelto per essere la vittima del giorno – e senza nessuna ragione.

Ma la paura non ci ha resi immobili.

Reazione

Il pianista non parla di eroi.

Szpilman si fa largo in un panorama profondamente ambiguo, una rete umana di cui riesce a comprendere vagamente i contorni, una catena di contatti che lavorano sottobanco per fare quello che possono per arginare l’incontrollabile minaccia nazista.

Ma i limiti delle loro possibilità sono subito evidenti nei continui cambi di dimora, nel protagonista che spesso si trova abbandonato a se stesso, costretto a cibarsi degli ultimi avanzi che la miseria ha lasciato dietro di sé, sempre più irriconoscibile nella forma.

Ed è un discorso tanto più interessante quando si parla di Wilm Hosenfeld.

Polanski ha a mio parere consapevolmente riscritto la storia di quello che sarebbe definibile, senza timor di smentita, un eroe di guerra – o, più correttamente, giusto fra le nazioni – che fu un punto di riferimento fondamentale per diversi ebrei che riuscirono a sfuggire dallo sterminio.

Nella scena dell’incontro fra i due infatti sembra come se il dubbioso nazista scelga di salvare Szpilman per le sue incredibili capacità di musicali, mentre per me il suo approccio ha un significato ben più profondo: il protagonista è la scintilla di una consapevolezza sopita.

Arbitrio

Sono innumerevoli i personaggi che potrebbero definirsi pentiti di aver supportato la dittatura nazista, nonostante il loro appoggio potesse essere derivato dalle motivazioni più diverse – ambiziosi personali, opportunità di carriera, o un semplice essere coinvolti senza neanche rendersene conto.

Per questo Szpilman e, soprattutto, la sua musica, può essere interpretata come il racconto del perno di una collettività fragile, ribaltata dall’esasperazione degli odi interni da parte di Hitler, ma mai veramente soffocata dalla stessa…

…e che Hosenfeld vede in quel momento la possibilità di ricomporre.

In altri termini, questo perfetto nazista si trovava in una situazione di totale libero arbitrio, in cui poteva ancora decidere di agire impunemente, e in cui ha scelto da che parte della storia stare, rendendo la salvezza del protagonista l’ultimo atto del suo importante ripensamento.

E così arriviamo all’ultimo punto della riflessione.

Spettatore

Chi è Władysław Szpilman?

La narrazione sull’Olocausto raramente si distacca da un racconto a tre piuttosto semplice ed immediato.

Ovvero eroi, vittime e carnefici.

E per quanto sia sicuramente una narrazione rappresentativa del dramma nazista, spesso la stessa tende ad allontanare il discorso dallo spettatore che non ha vissuto in prima persona i fatti raccontati e che, per questo, li vede come isolati e lontani dal suo presente.

Invece, Il pianista si propone proprio di raccontare la tragedia più profonda, quella di un popolo talmente sconvolto da spesso non essere capace di opporsi, ma solo di rimanere a guardare – o, al massimo, di reagire quando non vi è più alcuna possibiltà di vittoria.

Ed è proprio quello che Szpilman rappresenta.

Il protagonista potrebbe essere quasi definito un ignavo, una persona che è riuscita, mai per merito suo, ma sempre grazie ad altre figure più proattive, oltre ad una buona dose di fortuna, a salvare se stesso.

Szpilman rappresenta insomma tutto il sommerso, l’uomo comune che è finito in balia degli eventi, che si pose, anche nei decenni successivi, nella posizione di riflettere sulla radice della vertiginosa ascesa dei totalitarismi, una causa intrinseca nella società umana, di cui è stato sempre spettatore inconsapevole…

…proprio come ben racconta lo scambio finale:

– E perché indossi quel cappotto?
– Ho freddo.

Perché la regia di Polanski è così fredda?

In coda, vorrei analizzare la regia di una scena emblematica de Il pianista.

In uno dei primi momenti all’interno del ghetto, la famiglia Szpilman si trova ad osservare l’irruzione di un gruppo di nazisti nel palazzo di fronte – uno dei momenti cardine del racconto dell’impotenza dei personaggi davanti alla storia:

Ma l’aspetto interessante è come la scena è raccontata.

Come siamo abituati ad un cinema sul tema caricato all’inverosimile di momenti drammatici e toccanti, con una regia che abbonda – e, spesso, abusa – di primi piani stretti e particolari sul dolore protagonisti, impegnandosi nello spremere più lacrime possibili nello spettatore…

…allo stesso modo Polanski sceglie una regia fredda e distante, che alterna piani americani sulla famiglia Szpilman, sostanzialmente immobile e impotente, ad accezione del grido subito soffocato della madre, e una camera fissa con campi medi sulla scena dell’appartamento di fronte.

Un’importante scelta di stile e di significato che dimostra come, anche spogliando la storia delle sue punte più violente, anche limitandosi a mostrare corpi che cadono muti a terra, personaggi impacciati e umiliati che ballano o sono trascinati via a bocconi…

…l’immensità del dramma arriva comunque potentissima.

2022 Avventura Dramma familiare Drammatico Film

Women Talking – Una violenza da camera

Women Talking (2022) di Sarah Polley è un dramma storico ispirato ai reali eventi della colonia di Manitoba in Bolivia nel 2011.

A fronte di un budget abbastanza contenuto – 20 milioni di dollari – nonostante l’ottimo riscontro agli Oscar 2023, è stato un tremendo insuccesso commerciale: 9 milioni in tutto il mondo.

Di cosa parla Women Talking?

Un gruppo di donne senza nome nella comunità mennonita scopre di essere stato ripetutamente violentato nella notte dagli uomini della colonia.

E ora bisogna scegliere cosa fare…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Women Talking?

Assolutamente sì.

Women Talking è stata davvero una bella sorpresa: un film che può essere considerato quasi un dramma da camera, basato quasi esclusivamente sul serrato dialogo fra le protagoniste, è risultato infine incredibilmente coinvolgente e stimolante.

Lo scambio fra i personaggi è infatti ben calibrato nei toni e negli argomenti, andando a toccare delle tematiche non scontate e muovendosi sempre con grande delicatezza ed eleganza in argomenti per cui era facile scadere nel facile melodramma.

Insomma, da riscoprire.

Antefatto

L’incipit di Women Talking è stato per me piuttosto sorprendente.

Come mi aspettavo quantomeno un primo atto dedicato all’atto scatenante della pellicola, invece lo stesso diventa l’antefatto che si intreccia con la narrazione introduttiva della storia, che vive di poche inquadrature ben scelte.

Infatti del fattaccio intravediamo solamente pochi attimi, frammenti di ricordi delle stesse protagoniste, che evitano abilmente di dare fin troppa enfasi alla violenza in sé, insomma di darla in pasto al pubblico…

…raccontandone principalmente le conseguenze.

E in questa fase si può anche perdonare la principale forzatura della pellicola, che agisce quasi come un what if… della storia reale – al pari del romanzo a cui si ispira – che diventa quasi un pretesto per intavolare un discorso non scontato su violenza, potere e colpe.

Perché le protagoniste hanno in realtà una via più facilmente percorribile…

Perdono

Dio ha molte facce.

Dio è vendicativo, violento e giustiziere, e prende possesso di Salome quando si ribella come una furia all’ordine corrente, andando a ribadire la stessa violenza che ha dovuto subire sui colpevoli, tanto da dover essere trattenuta nel suo slancio omicida.

Ma Dio è anche perdono, ed è quello che viene richiesto alle vittime: lasciarsi alle spalle questi orribili atti e riaccogliere questi uomini che verranno solo sommariamente puniti dalla giustizia terrena, e che potranno così liberamente tornare a avventarsi su di loro.

Quindi le vie percorribili sono due.

Rimanere, rimanere sottomesse e passive a quelli che credevano essere i loro compagni e fratelli, accettare il perdono e mantenere intatta la comunità e i suoi fragili equilibri, unico luogo che conoscono e da cui sono state definite, anche in queste nuove condizioni.

Oppure combattere, prendere in mano armi di fortuna e rispondere alla violenza con una furia che le protagoniste forse nemmeno sospettavano di avere dentro di sé, ma che è un’opzione più volte accarezzata per riuscire finalmente ad autodeterminarsi.

Oppure…

Fuga

Gli uomini possono andarsene?

Le protagoniste si trovano in una situazione del tutto nuova, in cui riscoprono il loro diritto di parola, il potere della stessa, e come questa può essere esercitata non solo contro di loro, ma contro gli uomini stessi.

Per una volta, insomma, queste donne che non avevano portato avanti nemmeno le più minuscole richieste, i più piccoli favori all’interno dell’universo domestico, realizzano il paradosso di intraprendere ora una richiesta così importante.

Perché, l’alternativa è scappare.

Questa prospettiva cresce progressivamente all’interno del gruppo, si rincorre nelle parole di queste donne spaventate e senza meta, tenute appositamente nell’ignoranza per depotenziarle…

…ma che al contempo cresce come consapevolezza di essere l’unica via possibile per continuare a vivere, trovandosi ormai in un punto di non ritorno, con una consapevolezza che non possono più ignorare.

E allora, di chi è la colpa?

Colpa

La colpa è di tutti.

Uno dei frangenti più interessanti del dialogo di Women Talking riguarda l’indagine della radice dello stupro, giungendo alla dramma consapevolezza di averne sempre avuto indizi sulla futura violenza sotto i loro occhi, come se la matrice della stessa fosse sempre stata insita nella colonia.

Per questo diventa ancora più importante capire come scrivere diversamente il futuro, come evitare che questa dinamica si ripeta, andando così a porre su un quesito per nulla semplice: quanto possono essere pericolosi i nostri stessi figli che muovono i primi passi verso pubertà?

Ne deriva un ritratto piuttosto sfumato e sorprendente di un’età imprevedibile e turbolenta, che si intreccia con la consapevolezza intergenerazionale di essere state passive davanti ad un dramma che si stava già consumando – e che era solo l’antipasto della violenza che ne è seguita.

E infine non ci rimane altro che vedere queste donne dirigersi verso un orizzonte incerto, senza aver bisogno di sapere altro sul loro futuro e sul loro eventuale fallimento, rinfrancandoci con la visione della loro definitiva autodeterminazione.

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The Elephant Man – Dietro l’orrore

The Elephant Man (1980) è il primo film della fase commerciale di David Lynch – aperta e chiusa in pochi anni con Dune (1984).

A fronte di un budget molto piccolo – 5 milioni di dollari, circa 19 oggi – è stato un ottimo successo commerciale: 26 milioni in tutto il mondo (circa 100 oggi).

Di cosa parla The Elephant Man?

Frederick Treves è uno studioso di chirurgia che si trova davanti ad un caso veramente anomalo. Ma quello che sembra solo una bestia…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere The Elephant Man?

In generale, sì.

Facendo parte del suo timido approccio al grande pubblico di Lynch, The Elephant Man non offre ovviamente la tipica esperienza della sua filmografia, ridotta a pochi accenni comunque ben pensati, ma che mai farebbero pensare ad uns sua pellicola.

Tuttavia, nel complesso rimane una pellicola godibile, che in tempi non sospetti affronta con rara delicatezza – e, soprattutto, senza una virgola di pietismo – la storia di un moderno Frankenstein da un altro punto di vista.

Insomma, dategli un’occasione.

Nascosto

Una delle idee più indovinate di The Elephant Man è tenere per lungo tempo nascosto il protagonista.

Infatti, quella che potrebbe sembrare la classica tattica di questo tipo di film di tenere nascosto il mostro per accrescere la curiosità morbosa dello spettatore, è invece un modo intelligente e sottile di fare in modo di farci vedere prima la crudeltà che circonda il personaggio…

…così da farci empatizzare con lui per la sua condizione ora di fenomeno da baraccone, quasi una bestia, e poi come corpo che mostrare e umiliare a piacimento per una dimostrazione scientifica, senza mai curarsi dei suoi sentimenti.

E così, pur arrivando alla rivelazione del suo mostruoso aspetto in una modalità molto classica, ci arriviamo anche carichi di una particolare consapevolezza sull‘angoscia ancora inespressa di questa creatura, che proprio per la mancanza apparente di intelletto non può avere alcuna dignità.

Eppure…

Prova

John deve dare prova della sua umanità.

I goffi tentativi del Dottor Treves sono facilmente rivelati come se volesse ammaestrare l’uomo elefante, quasi come una scimmia che non fa altro che imitare il parlato umano, ma senza avere alcun tipo di capacità di elaborare pensieri propri.

E invece molti timidamente infine il protagonista riesce a dimostrare di essere molto più di quello che sembra, di saper decantare interi passi di opere letterarie, che ha segretamente imparato a memoria, e che gli permettono di evadere questa dolorosa condizione.

E nella fase centrale, man mano che John acquisisce il suo nuovo status, il film viaggia sul filo di un pericoloso pietismo, proprio per le struggenti esternazioni del protagonista davanti alla ritrovata e insperata gentilezza nei suoi confronti.

Eppure The Elephant Man rimane sempre solido su questo fronte…

…e per fortuna, considerando l’ultimo atto.

Agguato

Lo stato bestiale è sempre in agguato.

È in agguato nelle parole delle domeniche, le stesse che sulle prime erano inorridite dall’aspetto di John, ma che ora invece si dimostrano concretamente preoccupate davanti alla curiosità morbosa degli ospiti di John…

…per paura che il protagonista possa essere ferito da individui che lo continuano a considerare come un fenomeno fa baraccone.

E quel pericolo è sempre in agguato soprattutto per la presenza del crudele, colpevole di una scena veramente struggente in cui John viene totalmente spogliato della sua ritrovata umanità per diventare una pura bestia da strattonare secondo i desideri del pubblico…

…per poi essere definitivamente rapito per capitalizzare sulla sua pelle, spogliato e rinchiuso in una gabbia, vittima del generale ludibrio, che perlomeno attrae la naturale pietà degli altri freaks, che gli offrono la possibilità di fuggire.

Ma non basta.

Nel finale è fondamentale per il protagonista riuscire finalmente ad autodeterminarsi come uomo, davanti ad una folla pronta ad assaltarlo, accompagnandoci così ad un finale agrodolce, in cui John si abbandona ad un sonno sereno di quel che rimane della sua breve vita.

Animazione Avventura Azione Commedia Dramma romantico Drammatico Fantasy Satira sociale Serie tv

Hazbin Hotel – La rivoluzione comincia dal basso

Nata come progetto indipendente su YouTube dalla sua creatrice, Vivienne Medrano, Hazbin Hotel (2019 – …) è diventato un fenomeno di costume, raccogliendo appassionati in tutti il mondo.

Se sapete già tutto sulla serie, cliccate qui per saltare alla parte spoiler. Se invece per voi è tutto nuovo, continuate a leggere.

Hazbin Hotel Guida Alla visione

Di cosa parla Hazbin Hotel?

Charlie Morningstar è la figlia di Lucifero e Lilith, i due ribelli biblici per eccellenza, impegnata nell’ambizioso progetto di salvare l’Inferno dal totale degrado con il suo Hazbin Hotel.

Ma la strada della redenzione è tutta in salita…

Vale la pena di guardare Hazbin Hotel?

Charlie in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Non posso che dirvi sì, assolutamente.

Hazbin Hotel è la classica serie che sembra mettere una serie di ostacoli apparentemente insormontabili per molti spettatori (io per prima): è un prodotto animato ed è un musical.

Lasciando da parte il pregiudizio sull’animazione – è dichiaratamente un prodotto per adulti – da non amante dei film musicali sono rimasta totalmente conquistata dalla bellezza della storia e delle canzoni.

Adamo e Lute in una scena di Hell is forever di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Infatti quella che potrebbe sembrare l’ennesima riscrittura moderna della mitologia cristiana, è in realtà una profonda riflessione sul classismo odierno e sull’inevitabile conflitto generazionale che lo accompagna.

Oltre a questo, la colonna sonora è ricca di metafore e simbologie piuttosto ricercate, che intessono una narrazione musicale che dialoga fortemente con sé stessa, risultando assolutamente indimenticabile.

Insomma, superate i vostri pregiudizi e dategli una chance.

È necessario vedere il pilot di Hazbin Hotel?

Sì e no.

La serie di Prime ha un atteggiamento piuttosto ambiguo sulla questione: una parte fondamentale della storia – l’origine di Alastor – presente nel pilot è ri-raccontata a metà stagione, in maniera secondo me anche migliore – e dopo aver lasciato ampio respiro al personaggio.

Al contempo, nel pilot sono presenti informazioni abbastanza importanti per comprendere appieno la trama, rispondendo a domande altrimenti insolute – in poche parole, molti dei personaggi presenti all’hotel non si capisce perché e come siano arrivati lì.

Il mio consiglio è di guardarvi la serie su Prime e solo dopo il pilot, così da colmare quei piccoli dubbi che sicuramente vi saranno venuti.

Comunque lo potete trovare qui.

Meglio guardare Hazbin Hotel doppiata o in originale?

Banalmente, entrambi.

La scrittura dei dialoghi di Hazbin Hotel, soprattutto per le canzoni, è particolarmente ostica, in quanto spesso si utilizza un vocabolario piuttosto ricco e ricercato, con diversi giochi di parole sostanzialmente intraducibili in italiano.

Eppure, l’adattamento e il doppiaggio italiano di Hazbin Hotel è indubbiamente uno dei migliori che ho ascoltato in tempi recenti, che ha veramente fatto del suo meglio per rendere tutte le sfumature di significato della serie, anche quando sembrava davvero impossibile.

Insomma, se masticate abbastanza bene l’inglese, vi consiglio di darle una prima occhiata in originale, e poi rivederla in italiano.

Al contrario, se vi sentite più a vostro agio con i prodotti doppiati, è godibilissima anche in italiano, ma vi consiglio di rivedervi almeno le canzoni in inglese, per cogliere alcuni elementi che purtroppo non possono essere resi appieno nell’adattamento.

E Helluva Boss?

Helluva Boss è lo spin off di Hazbin Hotel – anche se tecnicamente sarebbe il contrario, perché questa serie è nata prima – ed è disponibile gratuitamente su YouTube, dove vengono pubblicate periodicamente le nuove puntate.

È una serie molto diversa da Hazbin Hotel per la gestione della storia: si tratta sostanzialmente di puntate autoconclusive con una trama di fondo che viene spalmata su diversi episodi, ricalcando temi già espressi nella serie madre, ma affrontando altri punti di vista altrettanto interessanti.

Inoltre, è un banco di prova molto importante per l’evoluzione evidente della animazione di Vivienne Medrano, che migliora puntata dopo puntata con sperimentazioni sempre più ardite ed affascinanti…

….che spero di trovare anche nel seguito di Hazbin Hotel.

Hazbin Hotel 1×01

Charlie è una luce in una tenebra profondissima.

In questo senso il prologo è ottimamente funzionale a creare un collegamento fra l’antefatto e il presente: i due ribelli, Lilith e Lucifero, sono introdotti e raccontati nel loro splendido sogno rivoluzionario…

…che viene raccolto dalla figlia in un torbidissimo presente, in cui il massacro annunciato è appena avvenuto e in cui Charlie ha appena inaugurato l’ultimo baluardo di speranza in un mondo senza salvezza.

Perché all’Inferno sembra che nessuno voglia salvarsi…

Macchiette

Alastor in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Infatti, già con il primo confronto con Alastor e il suo fallace spot televisivo assistiamo alla drammatica lotta di Charlie contro un panorama che non ha nessuna intenzione di rinnovarsi in positivo, anzi che quasi si bea della sua attuale condizione.

E su questa china si articola tutta la narrazione secondaria dell’hotel nella prima puntata di Hazbin Hotel, che ha più che altro la funzione di fornire una sommaria caratterizzazione dei personaggi, inizialmente ancora molto macchiettistici.

Angel Dust in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Ognuno di loro sembra infatti rinchiuso in un ruolo che non ha alcuna intenzione di evadere: il barman brontolone – Husk – la star del porno depravata – Angel – e il macchinatore infido – Alastor.

L’unica figura che, come scopriremo meglio successivamente, sembra voler evadere la sua condizione è proprio Vaggie, la cui linea narrativa dell’intera stagione sarà finalizzata ad una redenzione nell’ombra.

Ma la vera protagonista della puntata è, ovviamente, Charlie.

Felice?

Dopo aver nuovamente sbattuto la testa sulla sconfortante realtà del suo hotel, la protagonista scappa letteralmente dallo stesso per abbracciare – e presentarci – il panorama infernale, con una canzone classica da musical, subito messa in discussione direttamente – da Angel e Vaggie – e poi indirettamente – da Adamo.

Ma già solo le comparse della scena mal si adattano allo spirito del brano: come Charlie canta il suo sogno – un giorno felice all’Inferno – che diventerà il suo leit motive, i personaggi intorno a lei sono violenti, caotici e persino – per ammissione della stessa protagonista – disgustosi.

Ma non è che il Paradiso sia davvero migliore…

Cazzone

Charlie in una scena di Hell is forever Hazbin Hotel (2023 - ...)

Lasciatasi alle spalle questo panorama angosciante, Charlie può finalmente scontrarsi con il principale villain della serie: Adamo, una riscrittura veramente brillante e irriverente di una figura biblica già di per sé molto ambigua, in questo caso letteralmente un cazzone arrogante e classista.

E infatti tutto il loro incontro si articola nel totale menefreghismo del capo degli Esorcisti, che vuole parlare di tutt’altro – specificatamente di sé stesso – e che concede di fatto pochissimo tempo a Charlie per raccontare il suo progetto pieno di buone intenzioni…

…ma che viene subito fatto a pezzi dalla splendida Hell is forever, che funge sostanzialmente da contraltare di Happy day in Hell: da una canzone costruttiva, speranzosa e quasi ribelle, ad un rigido ribadire dello status quo e del suo totale immobilismo.

Adamo in una scena di Hell is forever di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Una canzone che insomma ci presenta perfettamente il più grande ostacolo della serie: un sistema granitico e inamovibile, basato sulla convinzione che the rules are black and white, bianco e nero, si è winner or losers, vincenti – beati – o perdenti – dannati, e niente potrà cambiare.

Ne emerge anche un elemento particolarmente angosciate che sottolinea ancora di più come Adamo non vuole per nessun motivo cambiare lo status quo: dietro alla maschera di giustizia divina si nasconde invece il godimento della schiera degli Esorcisti nello sterminare i dannati.

And for those of us with Divine Ordainment / Extermination is entertainment!
E per per noi Guerrieri di Dio / Lo Sterminio è un vero spasso!

Fine?

Adamo e Charlie in una scena di Hell is forever di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Si innesta quindi in climax narrativo in cui Charlie viene sbattuta fuori dalla sua unica possibilità di successo, tornando all’hotel con la coda fra le gambe e non potendo neanche trovare conforto nel lavoro degli altri personaggi, il cui spot viene immediatamente calpestato dalla notizia dello sterminio anticipato.

Ma la rivelazione finale apre le porte ad una possibilità finora mai contemplata: ribattere allo sterminio.

E vincere.

Hazbin Hotel 1×02

La seconda puntata di Hazbin Hotel è, non a caso, la puntata delle seconde occasioni.

La trama si sviluppa in un sistema di scatole cinesi: ricollegandosi alla puntata precedente, Charlie deve ragionare sulla nuova situazione dell’Inferno e su come far funzionare il suo progetto, pur nella metà del tempo.

E così la battuta Ma pensi che si presenteranno alla nostra porta autonomamente? apre effettivamente le porte a Sir Pentious, personaggio apparentemente secondario, ma in realtà già da questa puntata vettore fondamentale della serie.

Ego

Vox in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Infatti è proprio questo serpentesco villain della domenica a citare per la prima volta i Vees (o le tre V), villain fondamentali della trama, che godono di minuti cruciali di introduzione, anche senza apparire immediatamente in scena.

Infatti non vediamo subito Vox, ma la sua prima apparizione è preceduta da un racconto della classica dinamica della TV spazzatura che ipnotizza il suo pubblico, per poi mostrarlo mentre si bea del suo crescente successo.

La successiva apparizione di Velvette è in questa fase quasi di passaggio, utile solo ad introdurre l’insopportabile isteria di Valentino, che in questo primo frangente sembra davvero solo patetico e sottomesso al volere di Vox…

Valentino furioso in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

…ma che ben presto ribalta i ruoli, annunciando maliziosamente al compagno il ritorno del suo nemico, stuzzicandolo con una sottile malvagità che è solo l’antipasto della sua vera natura che esploderà nel quarto episodio.

Parte a questo punto una delle canzoni più belle e complesse della serie, Stayed gone, in cui Vox cerca disperatamente di sottolineare la sua prevaricazione nel panorama infernale, cercando di scalzare il minaccioso ritorno di Alastor.

E la sua fragilità è ben raccontata sia dalle parole del suo nemico – everyday has a new format! – sia dalla messinscena: Vox ha bisogno di sdoppiarsi, moltiplicarsi mille volte in mille ruoli diversi per imporre la propria inconsistente personalità.

Al contrario, Alastor si impone solo grazie alla sua monumentale presenza scenica, per cui la sua voce da sola ha un potere tale da tornare immediatamente ad essere un personaggio di primo piano, umiliando spregiudicatamente il suo nemico.

E la risposta di Vox è ancora più debole.

Crepa

Diventando una pedina nelle mani dei Vees, Sir Pentious è ancora più significativamente vettore della storia: la sua ritrovata bontà, seppur artificiosa, lo mette in diretto confronto – e, di fatto, in competizione – con Angel.

Così, se da una parte vediamo un personaggio compiacente che rende finalmente felice Charlie, dall’altra assistiamo alla prima crepa sulla sfacciata maschera su Angel, che si sente messo da parte – nonostante la colpa, di fatto, fosse tutta sua.

Nondimeno sarebbe fin troppo banale ridurre lo smascheramento di Pentious ad una mera vendetta, ma piuttosto ad un tentativo di Angel rendersi nuovamente utile agli occhi di Charlie, per quanto la stessa sia totalmente persa nel suo sogno di salvezza con la simpatica It starts with sorry.

E se un personaggio sgangherato come Pentious può avere una seconda occasione, allora persino Angel può cominciare a sperare nella sua…

Hazbin Hotel 1×03

Le protagoniste del terzo episodio di Hazbin Hotel sono collegate da un filo invisibile.

La puntata si apre con una presa di posizione di Charlie, che affida ingenuamente a Vaggie la responsabilità di gestire gli importanti esercizi della giornata, dopo aver assistito alla sua tirata piuttosto dura verso Sir Pentious.

Indirettamente così la protagonista vuole dare modo alla compagna di creare effettivamente una connessione con gli ospiti dell’hotel, cominciando con un innocuo test, che però svela immediatamente le discordie presunte o effettive fra gli ospiti.

Infatti se Pentious sottolinea ancora di più il suo vittimismo, rimanendo sorpreso di essere comunque accolto, si ribadisce la totale e imbarazzante follia di Nifty e, soprattutto, si anticipa lo scontro fondamentale fra Husk e Angel dell’episodio successivo

E con una Vaggie che prende il controllo della situazione, vige un pugno di ferro piuttosto crudele, che porta gli ospiti dell’hotel a diventare sostanzialmente compagni d’armi, davanti agli occhi sbigottiti di una Charlie che solo a quel punto si rende conto del peso che ha messo sulle spalle di Vaggie.

E qui si innesta il collegamento definitivo con l’altra protagonista della puntata.

Apparenza

Carmilla è solo apparentemente un crudele overlord.

Onestamente preoccupata per il destino delle anime infernali, cerca di portare un po’ di ordine con la sua riunione degli altri capoccia infernali, ma che viene totalmente rovinata dall’ingombrante presenza di Velvette, qui finalmente grande protagonista.

Infatti la presenza scenica del suo personaggio racconta una profonda arroganza – rappresentativa, per estensione, dei Vees in genere: la miccia che dovrebbe fare scattare la guerra contro il Paradiso è lanciata con grande teatralità sul tavolo…

Velvette in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

…lo stesso in cui Velvette si posiziona la maggior parte del tempo.

E così infatti il loro scontro nella splendida Respectless si basa su due visioni distinte del mondo: se per Carmilla i Vees sono degli smug wannabes (intraducibile), senza alcun rispetto per gli altri, che pensando di potersi imporre facilmente nel panorama infernale…

Did you expect us to sit back and take your insolent brazen display?
Ti aspetti davvero che stiamo qui a sopportare la tua sfacciata insolenza?

…invece Velvette che ribalta totalmente il suo discorso, rivendicando di essere respectless, irrispettosa, perché lei è la #Bitch…

…and I will do / Nothin’ less than what I please
…e farò esattamente quello che mi pare

Velvette e Carmilla si scontrano in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

e, soprattutto, perché sa di aver ragione, sa di aver colpito un nervo scoperto di Carmilla, di aver mostrato il segreto che non vuole rivelare:

‘Cause when I brought out the angel’s head / Couldn’t help but observe / That your wrinkled face was turning red
Perché quando ho mostrato la testa dell’angelo / non ho potuto fare a meno di notare / che la tua faccia da vecchiaccia era piena di imbarazzo

E così, da questi due fili che si intrecciano fra Vaggie e Carmilla, si instaura l’ultima canzone.

Proteggere

Carmilla in una scena di Whatever it takes Hazbin Hotel (2023 - ...)

Per quanto non sia una canzone particolarmente memorabile, Whatever It Takes è significativa per definire i caratteri delle sue protagoniste.

Entrambe infatti sono dilaniate interiormente dal peso del loro passato e delle loro responsabilità presenti: se Carmilla, per quanto ne abbia tutti i mezzi, non vuole andare in guerra contro il Paradiso per non mettere in pericolo le sue figlie…

I might lose the ones that I was killing for
[Andando in guerra] potrei perdere le persone per cui sto combattendo

Vaggie in una scena di Whatever it takes Hazbin Hotel (2023 - ...)

…invece Vaggie si sente sostanzialmente inutile agli occhi di Charlie, persona che inconsapevolmente l’ha fatta rinascere dalle ceneri del suo disgraziato passato, ma a cui non può ricambiare il favore, ma è disposta a fare tutto il possibile:

So I, I’ll be your armor
Do whatever it takes / I’ll make the mistakes / I’ll spend my life being your partner
Quindi sarò la tua armatura, farò tutto quello che serve / farò anche degli errori / ma passerò la mia vita al tuo fianco

E, non a caso, le due si ritroveranno nella settima puntata.

Hazbin Hotel 1×04

Il titolo della puntata è già rivelatorio.

La mascherata infatti comincia fin da subito: mostrando uno dei suoi tanti video erotici, Angel vuole nuovamente sottolineare la sua esplosiva quanto artefatta personalità, basata sul suo essere lascivo oltre ogni controllo, esente da ogni critica.

Eppure, vi è una critica che Angel non può sopportare.

L’essere falso.

Un’illazione che andrebbe del tutto a smontare quella maschera così ben costruita dietro al quale si nasconde, che tutti sembrano aver accettato tranne Husk, l’altro grande protagonista della puntata.

Ma, anche volendo, Angel non può sfuggire a questa realtà.

Dietro le quinte

Tutta la scena successiva costruisce meticolosamente il climax per cui Valentino, finora personaggio quasi buffonesco, che sulle prime sembra solo voler spingere Angel a portare a termine un lavoro di bassa qualità – quindi non così affascinante come lo voleva far passare…

…arriva a reagire in maniera sempre più maligna alla insopportabile intrusione di Charlie, che subito Angel cerca di allontanare dal suo aguzzino, ma che inevitabilmente ne diventa preda…

Angel Dust terrorizzato in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

E così l’incendio è la miccia definitiva: le blande scuse di Charlie diventano gradualmente un sottofondo per lo sguardo di puro terrore di Angel, che pietrificato davanti alla furia ormai inevitabilmente esplosa negli occhi di Valentino.

Così Angel viene forzosamente trascinato dietro le quinte, in quella realtà crudele e che cerca continuamente di nascondere, in quel rapporto abusivo e ricattatorio – e senza scampo…

Ma la facciata deve continuare: Angel deve cacciare Charlie, perché è l’unico modo in cui può difenderla dalle ingiurie di Valentino, dalla trappola di cui si sente l’unico colpevole – e l’unico che deve subirne le conseguenze.

Trappola

Un discorso ancora più angoscinantmente ribadito dalla canzone conclusiva della prima parte della puntata, l’iconica Poison, con cui ci avventuriamo nella personale trappola di Angel.

Infatti tutta la narrazione si basa sul concetto di non poter fare a meno di qualcosa, prima in un senso quasi di piccola colpa perdonabile…

I’m not above a love to cash in / Another lover underneath those flashin’ lights / Another one of those ruthless nights
Non posso fare a meno di amare il guadagno / di un altro amante sotto quelle luci lampeggianti / di un’altra di quelle notti crudeli

…poi sempre di più in senso di costrizione

Addicted to this feelin’, I can’t help but swallow / Up your poison
Dipendente da questa sensazione, non posso fare altro che / Ingoiare il tuo veleno

…fino alla totale ammissione di essere intrappolato in un incubo senza via d’uscita:

Poison, I’m drownin’ in poison /
I’m fillin’ up my glass but it’s always hollow / Full of poison, I’m sick of the poison
Veleno, sto annegando nel veleno / Riempio il mio bicchiere ma è sempre vuoto / pieno di veleno, non lo posso più sopportare

Veleno

Il termine cardine è ovviamente poison, veleno, che riassume chiaramente il senso della canzone.

Una bevanda attraente e desiderabile – indirettamente paragonata allo sperma, quindi al sesso – che invece è pericolosa e mortale, una dipendenza che lo porterà alla inevitabile morte:

My story’s gonna end with me dead from your poison
La mia storia finirà con me morto per il tuo veleno

E così la vera natura di questa vita sconsiderata è raccontata dal parallelismo interno della canzone, che sia nelle immagini che nel testo ci mostra una realtà che parte dall’essere desiderabile, con Angel che si getta fra un gruppo di amanti su un tappeto di soldi…

Every night I’m living like there’s no tomorrow
Vivo ogni notte come se non ci fosse un domani

…per passare invece ad una scena di sesso per nulla piacevole, ma che Angel deve sopportare, e per cui I’m living diventa invece I’m wasted:

Every night I’m wasted like there’s no tomorrow
Ogni notte mi distruggo come se non ci fosse un domani

E, infine, questo ribaldo rimarcare di vivere alla giornata diventa invece una maledizione: non avere un futuro, ma poter solamente sopportare questa vita giorno per giorno:

I wish I had something to live for tomorrow
Vorrei avere qualcosa per cui vivere

Colpa

Angel Dust guarda il suo contratto in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Ma perché Angel non vuole farsi aiutare?

Un altro elemento ricorrente all’interno della canzone è questo continuo ribadire che la colpa è unicamente sua, anzi avrebbe dovuto essere più attento e capire a quale pericolo andava incontro…

I shoulda’ guessed that this would happen / I shoulda’ known it when I looked in your red-hot eyes / Spewin’ all your red-hot lies
Avrei dovuto prevedere che sarebbe successo / Avrei dovuto saperlo quando guardavo i tuoi occhi rossi e affascinanti / mentre sputavi le tue bugie così attraenti

E, per questo, l’unico modo per sopravvivere è fare quello che gli viene chiesto

Any way you want me, baby / That’s the way you got me, I’ll be yours
In qualunque modo tu mi voglia / Così mi avrai, sarò solo tuo

…e alienarsi totalmente dal presente, per scomparire dentro ad un sogno che si è rivelato un incubo:

I got so good at bein’ untrue /
I got so good at tellin’ you what you wanna hear / I disassociate, disappear
Sono diventato così bravo a mentire / così bravo a dirti quello che vuoi sentire / io mi alieno, io scompaio

Ed è proprio questo suo rifiutare un aiuto a rendere Angel insopportabile…

Salvare

Angel Dust litiga con Husk in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Nella seconda parte dell’episodio, torniamo all’hotel carichi di una nuova consapevolezza.

Assistiamo ad un Angel ancora più sconsiderato nel nascondere i suoi veri sentimenti, a liquidare il terribile pomeriggio come una cosa da nulla, e così ad avventarsi così su Husk per l’ennesima volta, venendo di nuovo accusato di essere falso e meschino.

E, dopo un furibondo litigio, Husk diventa l’improbabile protettore nell’ombra di Angel, incoraggiato dalla preoccupazione di una Charlie troppo ferita e insicura da mettersi nuovamente in prima linea.

Ma Husk è un testardo, e non può esimersi dall’intervenire quando vede Angel pronto a farsi nuovamente drogar – e e quindi violentare – e tenta di trascinarlo nuovamente lontano da quel mondo tossico e mortale, incoraggiandolo ad abbandonare la recita…

…per portare Angel, finalmente, a confessare il suo tentativo disperato di distruggersi per apparire meno interessante agli occhi di Valentino, così da poter in parte evadere questo incubo di cui è il solo colpevole.

E così, dopo aver confessato che dietro il suo carattere burbero si cela in realtà un animo spezzato da l’ennesimo patto con un demone – Alastor – Husk introduce quella che è personalmente la mia canzone preferita di tutta la serie: Loser, Baby.

Perdente

Nelle prime strofe Husk ribadisce la drammaticità della situazione, utilizzando una serie di immagini piuttosto colorite, fra cui

You’re feelin’ filthy as a dive bar bathroom stall
Ti senti disgustoso come il bagno pubblico di un bar da quattro soldi

Creando l’aspettativa per una sorta di consolazione…e invece soprendendoci con una battuta quasi crudele, in cui Husk ribadisce che si, la situazione è uno schifo:

You’ve lost your way, you think your life is wrecked / Well, let me just say you’re correct
Sei senza speranza, pensi che la tua vita sia uno schifo / Be’, hai proprio ragione!

Angel Dust arrabbiato in una scena di Loser, Baby di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Il concetto è quasi ironicamente ribadito da sempre un’altra serie di paragoni piuttosto creativi

You’re a screw’s-loose-boozer / An only one-star reviews-er / You’re a power-bottom at rock bottom
Sei un ubriacone senza speranza / un attore di serie Z / sei quello che si trovando si scava sotto al fondo del barile

ma ribadendo dopo ogni insulto un concetto fondamentale: non sei solo, facciamo un po’ tutti schifo.

E, dopo le prime rimostranze, Husk riesce ad accompagnare Angel verso questa importante realizzazione, confortandolo in un modo in cui mai si potrebbe aspettare: accentandolo semplicemente per quello che è.

Coked up, dick-suckin’ hoe?
Baby, that’s fine by me!
Una puttanella succhia cazzi drogata?
Baby, a me piaci così!

Insieme

Angel Dust e Husk cantano Loser, Baby in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Ed è proprio in questo momento che finalmente Angel esplode in un canto vittorioso, in cui rivendica la sua tragica situazione non più con supponenza e fingendo che di trovarsi in una posizione invidiabile, ma semplicemente per quello che è: uno schifo.

I’m a loser, honey / A schmoozer and a dummy / But at least I know I’m not alone
Faccio schifo amore / sono un millantatore e uno sciocco / ma almeno so di non essere solo

Angel Dust in una scena di Loser Baby di Hazbin Hotel (2023 - ...)

E il canto è sempre più rivelatorio e liberatorio: Angel finalmente è onesto con se stesso, con tutte le sue colpe che, però, non sono davvero una vergogna in una realtà dissennata come quella infernale.

Ma, l’importante è non essere soli:

A loser, but just maybe if we / Eat shit together, things will end up differently
Faccio schifo, ma magari se / siamo insieme nella stessa merda le cose andranno diversamente

E Angel è ancora più se stesso nel momento in cui fa innamorare definitivamente Husk: non più un passivo alla vita, un millantatore, ma una figura pugnace e in prima linea per combattere e affermarsi…

…con le sue splendide nove braccia e le due mitragliatrici brandizzate.

Accettando infine, un drink non più da solo per dimenticare, ma per aiutarsi nelle comuni sfortune.

Hazbin Hotel 1×05

La quinta puntata di Hazbin Hotel è sostanzialmente un classico per Vivianne Marrano, la creatrice della serie.

Infatti, il tema del conflitto fra padre e figlia ritorna più volte anche in Helluva Boss, ed è sempre basato sull’incomprensione fra i due personaggi, che infine riescono inaspettatamente – ed affettuosamente – a ritrovarsi.

In questo caso la preparazione del personaggio di Lucifero partiva già dalla prima puntata, nel breve scambio al telefono di Charlie con il padre, fino a questo momento il convitato di pietra in un gran numero di conversazioni.

Lucifero con la paperella in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

E qui finalmente viene svelato il loro turbolento rapporto: un padre assente che, anche prima della separazione da Lilith, era una presenza fuggevole nella vita della figlia, e ancora di più nei sette anni successivi.

Da questo racconto e dalle parole di Nifty – I bet he’s scary – si costruisce un simpatico siparietto in cui vediamo Lucifero per la prima volta di spalle, apparentemente indaffarato in chissà quale congegno infernale…

…per poi rivelarsi invece un insicuro che stava creando la sua ennesima paperella di gomma per combattere la depressione.

Lucifero in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Una visione piuttosto straniante, considerando il tipo di personaggio biblico di riferimento, ma che mostra la chiara intenzione di riscriverlo in un’ottica già anticipata dal prologo: un sognatore ribelle, abbattuto dalla sua eccessiva intraprendenza.

Infatti, mettendo insieme i pezzi, appare chiaro come il suo personaggio, a differenza della moglie, si sia sempre più chiuso in se stesso – motivo forse anche della separazione – diventando profondamente insicuro e insoddisfatto…

…soprattutto nei confronti di una figlia con cui non riesce a parlare.

Parata

Lucifero in una scena di Hell's greatest dad di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Per questo il suo arrivo all’hotel non ha davvero niente a che fare con il piano di Charlie, ma è invece un tentativo disperato di riallacciare i rapporti con la figlia, fin da subito ostacolato dall‘ingombrante figura di Alastor.

E proprio per questo Lucifero esplode nella splendida Hell’s greatest dad, un canto di rivendicazione in cui cerca di riempire quella voragine lasciata nella vita di Charlie tramite una serie di promesse piuttosto ardite, quasi ridicole.

Per la prima volta da anni infatti sembra che Lucifero sia tornato in piena forma, pronto a sfoderare tutti i suoi poteri angelici, pronto persino a rompere di nuovo le regole

I’ll rig the game for you because I’m the ref!
Truccherò i dadi per te perché sono io che faccio le regole!

…in una parata di esternazioni che creano un diretto parallelismo con Stayed Gone: in tutta la sua insicurezza, sia Lucifero che Vox hanno bisogno di moltiplicarsi in mille personaggi diversi per avere una presenza significativa in scena.

Lucifero e Alastor in una scena di Hell's greatest dad di Hazbin Hotel (2023 - ...)

E, allo stesso modo, Lucifero viene facilmente scalzato da Alastor, che invece basta da solo per andare a colpire un nervo scoperto, per andare a rimarcare le mancanze del padre di Charlie, prendendone esplicitamente il posto

It’s a little funny / You could almost call me / Dad!
È proprio buffo / Potresti persino chiamarmi / Papà!

Guinzaglio

E, di fronte ad una canzone poteva concretamente andare avanti all’infinito, fa capolino in scena un personaggio che, al pari di Pentious in precedenza, è la chiave per il proseguimento della puntata: Mimzy.

Infatti la sua apparizione ci dà finalmente l’occasione per (ri)scoprire il misterioso passato di Alastor – già spiegato, anche se con meno dettagli, nell’episodio pilota – e tratteggiare una figura ancora più inquietante di quanto già non fosse.

Eppure, c’è un altro lato della questione.

Husk litiga con Alastor in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Dal veloce scambio con Husk nella scena subito successiva, veniamo alla scoperta di un particolare non da poco:

Big words for someone who is also on a leash!
Paroloni per qualcuno che è al guinzaglio quanto me!

Husk sottomesso ad Alastor in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Una rivelazione improvvisa che dà luogo ad un ventaglio infinito di interpretazioni possibili – Alastor è sottomesso a Lilith, essendo scomparso per lo stesso numero di anni? Oppure fanno entrambi parte di un patto col Paradiso che ancora dobbiamo scoprire?

…che avranno però risposta probabilmente nella seconda stagione.

Ma Mimzy non ha ancora finito il suo compito.

Paura

Lucifero è incapace di affrontare Charlie.

Profondamente deluso dal disastroso risultato della sua ribellione, non riesce a sopportare l’idea che anche il piano della figlia le scoppi in faccia, e per questo o divaga…

…o si rifugia nel comportamento mostruoso di Alastor per giustificare la sua totale disillusione.

E invece per la prima volta Charlie sorprende il padre, andando a ribaltare quella raccapricciante visione del demone della radio che si ciba degli strozzini di Mimzy in una dimostrazione a suo modo di fedeltà e di protezione nei confronti dell’hotel.

E così, finalmente, parte More than anything.

Lucifero e Charlie in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Ancora una volta forse non la canzone più iconica della serie, ma comunque un momento bellissimo di riappacificazione, in cui Charlie (ri)racconta la loro storia dal suo punto di vista, mostrando di aver preso sicuramente la vena combattiva dalla madre…

…ma il desiderio di sognare proprio da Lucifero.

Lucifero e Charlie in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)v

E basta questo, basta che Lucifero finalmente ammetta la sua paura nel perdere Charlie, nel vederla crollare sotto il peso delle regole degli angeli, basta che la protagonista rimarchi il fatto di voler ripercorrere le orme del padre per riuscire finalmente a riunirli sotto un comune destino.

Ovvero, far valere la propria voce in Paradiso.

Hazbin Hotel 1×06

La sesta puntata di Hazbin Hotel è sostanzialmente un ribaltamento dell’incipit.

Charlie è emozionata quasi come bella prima puntata, arrivando ad ingigantire l’importanza di questo momento in maniera totalmente illogica, come ben racconta lo scambio con Vaggie:

(Vaggie) Charlie, you’re only going to Heaven for a few hours
(Charlie) Vaggie we are only going to Heaven for a day!
(Vaggie) Charlie, sarai in paradiso solo per qualche ora!
(Charlie) Vaggie, noi saremo in Paradiso per un intero giorno!

E così dopo il siparietto con San Pietro, facciamo finalmente la conoscenza delle grandi protagoniste della puntata.

Ovvero, Sera e la sua giovane allieva, Emily, che è in tutto e per tutto la versione angelica di Charlie, tanto che fa eco all’entusiasmo della protagonista in Welcome to Heaven, prima di essere corretta da Sera:

(Emily) After you see our realm, you’ll never wanna go back down!
(Sera) Of course, it is just temporary / I’m sorry you can’t stay
(Emily) Dopo che avrete visto il Paradiso, non vorrete mai più andatevene!
(Sera) Ovviamente non è possibile / mi spiace che non possiate rimanere

Apparentemente solamente una gag fine a se stessa, in realtà un indizio piuttosto importante di come lo spirito anti-classista di Charlie non sia un caso isolato…

…ma che ci siano anche personaggi all’interno delle schiere angeliche che abbiano la stessa prospettiva di non dividere il mondo in bianco e nero, fra buoni e cattivi come Adamo e Lute.

Vaggie e Adamo in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Più in generale, Welcome to Heaven è una sorta di ripresa di Happy day in Hell, in cui il Paradiso viene presentato nella sua perfezione e bellezza – anche se è in realtà solamente apparente, come vedremo.

E, con la breve uscita di scena di Charlie, trascinata dall’entusiasmo di Emily nello scoprire ancora di più le bellezze angeliche, scopriamo finalmente l’oscuro segreto di Vaggie, una ex-esorcista pentita, punita per l’inammissibile pietà.

E col ricatto di Adamo l’udienza si fa sempre più spinosa…

Connessione

Angel in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Le due trame della puntata sono strettamente collegate.

Infatti Angel diventa inconsapevolmente testimone del valore del progetto di Charlie, mettendolo alla prova proprio nel momento di maggior tentazione, in cui neanche gli ammonimenti di Husk riescono a farlo desistere dal ricadere nella dipendenza.

Ma una pillola in più non basta a cambiare un’importante consapevolezza…

Angel si oppone a Valentino in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Infatti fin da subito quella bontà d’animo da sempre presente nel suo personaggio emerge quando Angel si impegna a proteggere una Nifty ingenuamente incontrollabile, soprattutto quando rischia di essere catturata da Valentino.

Ed è questo il momento del primo colpo di testa del personaggio, che finalmente smette di mentire prima di tutto a se stesso, e anzi dichiara a voce alta tutto il suo disprezzo per Valentino e per i suoi inganni, incassando persino un violento schiaffo.

E forse questa maturazione non vale più di qualunque scelta sbagliata fatta in passato?

Chissà…

Valore

Emily e Charlie in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Il palese valore della redenzione di Angel non è abbastanza per farlo arrivare in Paradiso…

…ma nessuno sa il perché.

L’ignoranza degli Angeli verso le regole del loro stesso regno è una zampata piuttosto importante del sottotesto tematico della serie: come le classi sociali più elevate spesso lo sono senza meriti particolari…

…allo stesso modo le scelte sbagliate dei dannati all’Inferno – e, per estensione, degli ultimi sulla Terra – non sono del tutto affibbiabili alle colpe dei singoli, ma piuttosto ai contesti ostili in cui spesso nascono, quasi come se fossero già condannati alla nascita.

Proprio da questa idea così rigida di divisione fra i regni si sviluppa l’ulteriore dialogo fra Sera e Emily, quando la giovane serafina è spiazzata davanti alla pochezza di argomentazioni dell’Angelo e alla sua totale chiusura mentale:

Now, we turn our backs, no second glance?
E gli neghiamo questa possibilità, senza neanche pensarci due volte?

E proprio nelle sue risposte Sera fa indirettamente intendere che ci siano delle motivazioni ulteriori sul perché un’anima entri in Paradiso o meno – solo uno dei tanti segreti che ha tenuto fino a questo momento ad Emily.

Da questo duetto apparentemente pacifico i toni si alzano improvvisamente per comporre il quintetto della splendida You didn’t know, proprio quando Charlie si scaglia contro Sera per la sua ottusità…

…per essere rimbeccata da Lute e Adamo insieme, che ribadiscono sostanzialmente quando detto in Hell is forever.

Ma proprio in questo contesto una parola di troppo da parte di Adamo porta finalmente alla luce la goffa e violenza risposta del Paradiso contro un Inferno che sembra incapace di controllare, portando in maniera inaspettata Emily a rivoltarsi contro la stessa Sera:

Was talk of virtue just pretension? / Was I too naïve to expect you / To heed the morals you’re purveying?
Tutto quel parlare di virtù era solo una facciata? / Sono stata così ingenua da aspettarmi che attuassi quella stessa morale di cui ti fai portatrice?

…per poi unirsi a Charlie in una asprissima risposta alla ottusa cattiveria di Hell is forever, per tratteggiare un mondo che non è per nulla bianco e nero, buoni e cattivi, ma piuttosto sfortunati e privilegiati:

If angels can do whatever, and remain in the sky / The rules are shades of gray when you don’t do as you say / When you make the wretched suffer just to kill them again!
Se gli angeli possono fare quello che vogliono e rimanere in Paradiso / Allora le regole non sono così limpide quando non fai quello che prometti / e quando fai soffrire i dannati solo per ucciderli di nuovo!

Charlie scopre il segreto di Vaggie in una scena di Hazbin Hotel (2023 - ...)

Una forte presa di posizione che però viene subito scalzata ora da Adamo e Lute, che perfidamente scelgono proprio quel momento per rivelare la vera natura di Veggie, così far crollare su se stessa una Charlie totalmente devastata…

…e dal confronto privato fra Sera e Emily, dove la prima ammonisce la giovane allieva di non rivoltarsi contro il Paradiso se non vuole fare la stessa fine di Lucifero.

Anche se probabilmente la sua storia è appena cominciata…

Hazbin Hotel 1×07

La settima puntata è il classico momento di passaggio.

Trovandosi in un apparente capolinea, Charlie percorre una via alternativa che non avrebbe mai voluto prendere – ben spiegata nel pilot – ovvero di stringere un patto apparentemente molto innocuo con Alastor, che indubbiamente avrà terribili conseguenze in futuro.

A mio modesto modo di vedere, se si accetta la teoria che Alastor abbia un patto con Lilith – e io mi ci ritrovo molto – con ogni probabilità, quando la stessa farà finalmente capolino in scena, chiederà a Charlie di intervenire per spezzare il loro legame.

Ne è indizio anche la battuta in merito nella puntata successiva:

The constraints of my deal surely have a back door
Di certo c’è una via d’uscita da questa costruzioni (del mio patto)

Inizio?

Ma tornando al presente, Charlie e Vaggie subiscono una dovuta separazione, prendendo due strade diverse per affrontare l’inevitabile scontro col Paradiso, entrambe associandosi a personaggi dalla dubbia moralità…

La trama dedicata a Cannibal Town l’ho sempre trovata un pochino improvvisata, come se la serie non sapesse dove sbattere la testa per chiudere velocemente la stagione, nonostante nel complesso possa servire essere un punto di partenza per l’evoluzione di Charlie.

Infatti il fine ultimo della protagonista è di sapere raccogliere intorno a sé abbastanza personaggi che siano effettivamente convinti e coinvolti con la sua idea, e qui deve proprio mettersi alla prova nel suo momento di massima debolezza.

Ma per una volta, basta veramente una canzone per convincere i cannibali ad unirsi a lei, pur con delle motivazioni non proprio innocenti, anzi si può proprio dire che Charlie li colpisca alla pancia nei loro istinti primordiali.

Ma gli istinti sono la matrice di questa puntata.

Motivazione

Vaggie ha bisogno di cambiare punto di vista.

Per quanto semplicistica, l’affermazione di Carmilla ha del vero quando suggerisce all’ex-esorcista di cambiare il suo modo di combattere: non più per odio e sete di sangue, ma per proteggere chi ama.

Allo stesso modo, particolarmente azzeccata la strategia che utilizza contro gli Angeli, da sempre raccontati come fin troppo alteri e sicuri di se stessi, tanto da lasciare il fianco scoperto a qualunque inaspettato contrattacco.

Con Out for love si arriva quindi ad una danza conciliativa, che conduce alla riconciliazione anche fra Charlie e Vecchie, con la protagonista ormai convinta delle buone intenzioni di una persona da cui pensava invece di essere stata tradita.

Altrettanto simpatica e devo dire molto meno gratuita di quanto mi sembrasse all’inizio l’entusiastica partecipazione dei personaggi rimasti all’Hazbin Hotel, che decidono tutto sommato di non odiarsi più come all’inizio e di voler difendere un luogo che finalmente sentono come la loro casa.

E allora che giustizia sia fatta.

Hazbin Hotel 1×08

L’ultima puntata di Habzin Hotel è la più ambiziosa e pericolosa.

La creatrice della serie arrivava da un’esperienza di puntate principalmente autoconclusive con Helluva Boss, e infatti si era mossa con qualche difficoltà nel dover costruire una storia unitaria.

Tuttavia bisogna riconoscere il finale funziona complessivamente bene per quello che vuole raccontare: la ritrovata coesione degli ospiti dell’hotel, già anticipata nella precedente puntata.

Particolarmente gustosi in questo senso i diversi siparietti singoli, dalle risate isteriche di Nifty e Alastor, allo sguardo sognante di Angel mentre guarda Husk, dalla mezza confessione di Pentious a Cherry fino alla reprise più agrodolce di Whatever it takes fra Charlie e Vaggie.

Sconfitta

Il problema più grande della battaglia finita è dover gestire così tanti personaggi in scena…

…e, soprattutto, definirne le abilità.

Insieme alla differenza fra dannati e hellborn, i diversi poteri dei personaggi in scena non sono stati mai chiaramente definiti, e in questo senso appare un certo livello di improvvisazione nel cercare di mantenere una coerenza di fondo.

Tuttavia, la serie riesce nel complesso a muoversi con abbastanza scioltezza fra i diversi personaggi, con particolare focus sullo scontro fra Adamo e Alastor, in cui le scelte artistiche sono particolarmente creative e indovinate.

Ma, davanti al disfatta del demone della radio e al crollo della barriera, si crea una particolare sequenza di eventi concatenati: l’estremo sacrificio di Pentious che da definitivamente infuriare Charlie, che riscopre un po’ all’ultimo i suoi poteri demoniaci e va all’attacco.

Ma la sua furia non basta a battere Adamo, in un climax particolarmente drammatico con il parallelo scontro fra Vaggie e Lute, che solo inizialmente ha come vincitrice la prima, e che porta finalmente all’apparizione di Lucifero in tutta la sua potenza serafina.

E da qui si innesta l’ultimo atto dello scontro.

Vittoria

L’arrivo di Lucifero è determinante.

In uno scambio piuttosto irriverente con Adamo, il grande capo dell’Inferno rimette finalmente al suo posto l’insopportabile leader degli Esorcisti, infine smascherato in tutta la sua inconsistenza…

…per essere definitivamente umiliato dalle divertite pugnalate di Nifty.

Questo ultimo frangente merita un discorso a parte perché è ricchissimo di particolari che possono sfuggire alla prima visione: quando Lucifero pronuncia la sua infelice battuta (I will fuck you invece che I will fuck you up), il sorrisetto di Angel è accompagnato dall‘istintivo sguardo laterale di Husk…

…e, quando Nifty accoltella Adamo, l’unica a non reagire sbigottita è ovviamente una Vaggie particolarmente entusiasta di vedere il suo nemico finalmente sconfitto, e la stessa minuscola inserviente dell’Habzin Hotel è l’unica ad alzare la mano quando Lucifero propone di mangiarsi dei pancake per festeggiare.

E così si arriva alla splendida Finale.

Arrivo

La canzone conclusiva non è solo il punto di arrivo di Habzin Hotel, ma soprattutto del viaggio di Charlie.

Nella primissima puntata – e per gran parte delle successive – la protagonista si trovava totalmente sola nel suo sogno, osteggiata da ogni parte, e qui sembra arrivata ad un apparentemente inevitabile capolinea, in cui tutti i suoi sforzi sono stati inutili:

I took a hotel and I destroyed it / I know I could have done better /Better, instead of letting you down
Ho preso un hotel e l’ho distrutto / So che avrei potuto fare molto meglio / invece che deludervi

Ed è proprio in questo momento che è assolutamente determinante l’entrata in scena di Lucifero, finalmente sinceramente convinto del progetto di Charlie, che le ricorda quanto ha fatto finora

In the last 10,000 years / You’re the first one to change this town
Negli ultimi diecimila anni / sei la prima che ha cambiato l’Inferno

e quando ancora ci sia da fare:

You can’t quit now. Hell, you owe it! / There’s still damage to be undone
Non può arrenderti ora. Maledizione, non te lo meriti / C’è ancora tanto da fare

Ed è fondamentale che in questo canto consolatorio si uniscano tutti i personaggi in scena, finalmente coesi e volenterosi di fare proprio il sogno di Charlie, che riesce a ricomporsi proprio con questa consapevolezza:

Fulfill your destiny!
So long as I’ve got all of you with me!
Segui il tuo destino!
[Lo farò] finché vi avrò tutti al mio fianco!

Ma la canzone finale è fondamentale soprattutto per due momenti.

Progetti

A modo loro, nel finale altri due personaggi cantano il loro sogno.

Prima di tutto Vox, spettatore piuttosto entusiasta della disfatta di Alastor, che con delle battute piuttosto brillanti e colorite racconta i suoi ambiziosi progetti per il futuro:

After the battle, masterless cattle / Overlords hanging by a thread / With a bit of bravado / Maybe tomorrow, we’ll be atop the heap
Dopo questa battaglia, l’Inferno è senza guida / Gli overlord sono al capolinea / e con un po’ di coraggio / forse domani saremo noi al comando

e così Vox racconta tutto il suo egocentrismo, cercando di prendersi tutta la scena, e solo secondariamente includendo anche Valentino e, solo all’ultimo, anche Velvette:

Nature abhors a power vacuum, it leaves room for you and me / The future of Hell belongs to The Vees
I vuoti di potere non durano molto, e lasciamo spazio per noi due / Il futuro dell’Inferno è nelle mani dei Vees

Ma se il demone della televisione pensa che Alastor si sia fatto da parte di sbaglia di grosso: con la sua canzone, il personaggio rifiuta di diventare un martire per i suoi amici:

“Great Alastor, altruist, died for his friends”? / Sorry to disappoint… / That is not where this ends!
Il grande Alastor, l’Altruista, morto per i suoi amici? / Mi spiace deludervi / Ma non è così che finisce la mia storia

ribadisce invece il suo piano di evadere il suo patto – con Lilith? – e così tornare nel pieno delle forze:

Once I figure out how to unclip my wings / Guess who will be pulling all the strings
Quando avrò capito come liberarmi / Indovina chi avrà finalmente l’ultima parola

E così tutti i personaggi si riuniscono in quella che è di fatto una reprise di Happy day in hell, ma questa volta ribadita con forza e convinzione da una Charlie finalmente non più sola.

Ma è solo l’inizio.

Epilogo

I due epiloghi gettano le basi per diversi discorsi di grande interesse.

Anzitutto, l’arrivo di Pentious in Paradiso: fino a quel momento la morte nell’aldilà era una sorta di seconda morte definitiva, su cui si basava tutto il concetto dello Sterminio.

Proprio per questo questa inaspettata apparizione, accolta con grande entusiasmo da Emily e con altrettanto terrore da Sera, ci racconta che le regole sono cambiate – e che, forse, la grande apparizione della prossima stagione sarà lo stesso Creatore?

Allo stesso modo, una Lute furiosa introduce finalmente una Lilith nascosta in un panorama evidentemente angelico, probabilmente parte di un patto con gli Angeli ancora tutto da scoprire, che potenzialmente la renderà la grande villain della prossima stagione.

A meno che un Adamo infernale non faccia capolino…

Dramma familiare Dramma romantico Drammatico Film Thriller Woody Allen Woody Allen 2000

Match Point – Una trappola personale

Match Point (2005) è il primo film strettamente drammatico della carriera di Woody Allen, al tempo considerato anche il suo grande ritorno artistico.

A fronte di un budget abbastanza contenuto – 15 milioni di dollari – fu un ottimo successo commerciale: 85 milioni in tutto il mondo.

Di cosa parla Match Point?

Chris è un ex campione di tennis che sbarca il lunario lavorando in un club sportivo come istruttore. Ma la fortuna sarà più dalla sua parte di quanto potrebbe pensare…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Match Point?

Assolutamente sì.

Match Point, insieme al successivo Blue Jasmine (2013), rappresenta un momento interessantissimo della carriera di Woody Allen, che per la prima volta fece uscire di scena il suo personaggio e la sua comicità iconica per provare un nuovo approccio...

…su temi già ampiamente esplorati, ma all’interno di un thriller con una riflessione piuttosto amara sulla fortuna, sul caso, sulle trappole sociali che noi stessi ci creiamo, pur consapevoli di quanto siano causa della nostra infelicità.

Insomma, da riscoprire.

Ricominciare

La ripartenza di Chris sembra senza speranza.

Ormai stufo di una carriera sportiva senza futuro, si rifugia nell’unica alternativa possibile, nonostante la stessa non sia sufficiente né per la sua felicità né per permettersi neanche di vivere in uno squallido monolocale.

Eppure, proprio questa scelta è il punto di partenza per una serie di colpi di fortuna che gli permettono di costruirsi una vita molto più economicamente soddisfacente, grazie al contatto con un ambiente particolarmente propenso ad accoglierlo.

Infatti sia Tom che la sorella Chloe sembrano affetti da una irrisolvibile Sindrome della crocerossina, che li spinge a salvare individui dall’estrazione sociale molto bassa che, per vari motivi, meritano di essere aiutati.

E qui si pone una differenza fondamentale.

Dialogo

Nola e Chris sembrano uguali…

…ma non lo sono.

Fra i due si instaura un dialogo segreto e impercettibile, basato sulla comune consapevolezza di essere la vittima dell’interesse smodato e potenzialmente passeggero di due persone che in realtà non amano davvero…

…e che, soprattutto, sono del tutto ignare del vero peso di essere così incredibilmente fortunati tanto da non avere mai avuto una preoccupazione economica che non possa facilmente essere risolta grazie alla propria posizione sociale.

Così entrambi condividono una bellezza magnetica che si accompagna ad una sostanziale fragilità economica, e che li rende estremamente desiderabili come compagni di vita da sfoggiare all’occasione.

Ma la differenza fondamentale è che Chris si dimostra sempre estremamente accomodante, tanto che cerca il più possibile di non sembrare un approfittatore sociale, al contrario del carattere ben più volubile e molto meno docile di Chole.

Eppure, alla fine Chris è in trappola.

Trappola

Chris dovrebbe essere felice.

Smarcatosi da una condizione economica infelice, riesce a costruirsi una carriera favorevole in un campo piuttosto redditizio, fra l’altro con la sicurezza di potersi anche avventurare in investimenti rischiosi senza dover subire particolari perdite.

Ma non è una fortuna gratuita…

Infatti, la sua situazione lavorativa è del tutto succube al favore della famiglia Hawett, che dipende da un unico fattore: la felicità di Chole, che si concretizza nella sempre più pressante richiesta di costruire una famiglia insieme.

Per questo fin da subito Chris cerca una via di fuga…

Fuga

Chris è artefice della sua distruzione.

Lo è quando accetta di inserirsi in un sistema sempre più claustrofobico, in cui la sua vita personale si intreccia indissolubilmente con la sua carriera lavorativa, tanto che i due elementi non possono esistere indipendentemente.

Proprio per questo sa anche di non poter tirare troppo la corda con Chloe, sa di dover il più possibile assecondare nel suo progetto di vita, rimanendone un mansueto esecutore che non si azzarda quasi mai a lamentarsi.

Al contempo, Chris cerca la sua distruzione nella relazione con Nola, donna che insegue disperatamente in ogni momento della storia, con la quale non solo trova un’affinità sessuale, ma anche intellettuale.

E, nell’esecuzione del suo tradimento, è fin da subito maldestro e disattento, si lascia fin troppe porte aperte per farsi scoprire, fin troppo testimoni del suo segreto, proprio quasi come se volesse che il destino agisse per lui per liberarlo.

Ma la fortuna è fin troppo dalla sua parte.

Chiasso

Con la gravidanza di Nola, Chris si trova davanti ad un bivio.

Svelando il suo segreto alla moglie potrebbe perdere tutto, cadere in disgrazia e mettere un punto alla sua carriera, ma al contempo sarebbe – forse – finalmente felice in una relazione sessuale e affettiva davvero soddisfacente – e, soprattutto, molto meno vincolante.

Ma il protagonista è di fatto incapace di prendere una decisione, e così temporeggia, trova soluzioni alternative e di mezzo, risolvendosi infine a prendere la decisione più codarda possibile.

Ovvero, eliminare il problema Nola, personaggio diventato fin troppo invadente e chiassoso per continuare ad esistere, come ben rappresenta la scena in cui la donna si avventa su di lui nel mezzo della strada, pretendendo una risoluzione immediata.

Ma, ancora, è come se Chris volesse farsi scoprire.

Rete

Il crimine di Chris è quasi una rivendicazione.

Il protagonista è alla disperata ricerca di un briciolo di giustizia in un mondo che sembra regolato unicamente dai capricci dei potenti, senza che questi – e, per estensione, lo stesso Chris – vengano in qualche modo puniti per il loro agire.

Per questo il piano, per quanto ben congegnato per non farlo sembrare un crimine passionale, è pieno di disattenzioni: il diario lasciato come prova, l’agire del tutto casuale nel rovistare nella casa della vittima, la poca attenzione nel liberarsi delle prove…

…in particolare dell’anello della Eastby, che rimbalza sulla ringhiera del Tamigi proprio come la pallina da tennis sulla rete, aprendo una nuova possibilità per la tanto ricercata scoperta della colpevolezza del protagonista.

Ma infine, ancora una volta, la fortuna gli è avversa, chiudendogli l’ultima via di fuga possibile e regalandogli invece la continuazione di una vita perfettamente insostenibile.

90s Back to....teen! Comico Commedia Commedia romantica Drammatico Film Teen Movie

Clueless – Il risveglio

Clueless (1995) di Amy Heckerling, noto anche come Ragazze di Beverly Hills, è un cult del genere teen movie.

A fronte di un budget piccolino – 12 milioni di dollari – fu un grande successo commerciale: 88 milioni in tutto il mondo.

Di cosa parla Clueless?

Cher è una ragazza ricca e popolare, ma che usa la sua influenza per aiutare gli altri. Ma la sua ingenuità sarà la sua rovina…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Clueless?

Assolutamente sì.

Clueless rappresenta davvero una perla del genere, anticipando fortemente i tempi con una narrazione dell’adolescenza femminile più collaborativa che vendicativa – come invece si vede in molte occasioni… – e un racconto della sessualità piuttosto dirompente.

Oltretutto, a differenza di film più difficilmente digeribili – per quanto magnifici – come Heathers (1989), è anche un prodotto piacevolissimo da guardare, che comunque non si risparmia in una serie di battute piuttosto sottili e non sempre a portata di adolescente…

Ingenuità

Cher è totalmente ignara della sua condizione.

Intraprendendo fin da subito un intenso dialogo con lo spettatore – ottimo metodo, se ben pensato, per potenziare la narrazione, che sarà poi ripreso anche il Mean girls (2004) – ci racconta già moltissimo del suo personaggio – e della sua totale ingenuità.

Pur godendo di un armadio gigantesco, addirittura di un sistema di matching per gli outfit – una delle scene più iconiche, riprese, fra gli altri, in Barbie (2023) – Cher non è la classica adolescente ricca e viziata come ci si potrebbe aspettare.

Fin dalla prima scena viene infatti svelata la sua – seppur ingenua – buona volontà nell’aiutare gli altri, soprattutto il padre, così immerso nella sua turbolenta professione da non essere capace di prendersi cura di sé stesso.

Ma non è finita qui.

Bivio

Clueless si trova in più momenti davanti ad una serie di bivi.

Cher è un personaggio che fin da subito si distingue dagli altri personaggi femminili dal punto di vista relazionale: genuinamente disgustata dai ragazzi della sua generazione, racconta fra il divertito e l’apprensivo la relazione fra la sua migliore amica, Dionne, e Murray.

E se questo poteva essere un buon momento per far partire la classica divisione fra ragazze buone e cattive…

…e invece Clueless stupisce: non vi è mai un giudizio negativo nei confronti della libertà sessuale delle protagoniste, se non quello che talvolta i personaggi mettono su sé stessi – come quando Donnie dice, quasi con sprezzo, di essere tecnicamente ancora vergine.

E anche la stessa posizione di verginità della protagonista è piuttosto aleatoria…

Buone azioni

Anche durante la classe di dibattito, Cher dimostra la sua deliziosa ingenuità.

La sua posizione sull’immigrazione è una piccola zampata nei confronti della totale cecità della borghesia statunitense nei confronti dei problemi reali del paese, ma anche un ulteriore momento per sottolineare la sostanziale bontà della protagonista.

Infatti, come Cher potrebbe utilizzare la sua posizione per vendicarsi dei brutti voti di Mr. Hall, invece sceglie di prendere il meglio di quanto ha imparato da suo padre e di ammorbidire il carattere burbero del professore, facendolo innamorare.

Così, anche se un motivo assolutamente egoistico, Cher riesce a far ritrovare due persone molto sole.

Ed è solo l’inizio.

Makeover!

Fatta la prima buona azione, Cher non ne può più fare a meno.

Dopo uno sguardo piuttosto ironico sul panorama adolescenziale di Beverly Hills e le sue ragazze ricche, viziate e piene di botulino, viene introdotta la preda perfetta, la totale outsider che la protagonista può prendere sotto la sua ala per una nuova buona azione.

Qui Clueless raccoglie particolarmente l’eredità del romanzo da cui si ispira – Emma di Jane Austen – con un arguto parallelismo fra la società iper-classista della Regency e il panorama sociale non meno spinoso dell’alta società californiana.

Per questo, Tai è la via del risveglio.

Cher cerca fin da subito di catturare la sua nuova amica nel complesso sistema della scuola, partendo dal più classico momento di passaggio – il makeover – che viene però totalmente stravolto, riducendolo – al pari di tutte le indicazioni di Cher – in una mania senza significato.

Ed infatti è piuttosto interessante che fin da subito Tai tende a sottrarsi ai tentativi di Cher di incasellarla, prima di tutto negando la sua verginità – elemento estremamente raro in un personaggio di questo tipo – e interessandosi ad un ragazzo che Cher considera inadeguato.

Ma l’alternativa non è migliore…

Voltafaccia

Il piano di Cher è un disastro.

Proprio come una matchmaker d’altri tempi, la protagonista trova subito il candidato perfetto che Tai può usare come accessorio per riuscire ad imporsi definitivamente con la sua rinnovata immagine e posizione.

E se i tentativi nel complesso sembrano portare nella direzione giusta, con un Elton che si dimostra interessato ad avvicinarsi alla ragazza, infine scoppiano come bolle di sapone quando il personaggio rivela tutta la sua arroganza e classismo, cercando di saltare addosso a Cher.

E così, la caccia ha di nuovo inizio…

…aprendo la sezione che io personalmente considero più geniale della pellicola.

Seduzione

Per quanto ingenua, Cher è molto più furba di quanto potrebbe apparire.

Appena posati gli occhi su Christian, prende subito le redini della seduzione, con tutta l’intenzione di dimostrarsi interessante agli occhi di questo fascinoso ragazzo, in una scena che mima sottilmente l’atto sessuale, come ben rivela la battuta di Mr. Hall:

It’s time for your oral!
È ora del tuo orale.

Tutta la dinamica successiva continua a calcare su questo fine racconto erotico, in cui Cher si rende sempre di più desiderabile e desiderata, in particolare portando l’attenzione sulla sua bocca sempre impegnata:

And anything you can do to draw attention to your mouth is good.
E qualsiasi cosa che attiri l’attenzione sulla tua bocca è una buona idea.

Ma la realizzazione infine che Christian non potrai mai essere il suo fidanzato – con una rivelazione molto figlia di tempi, ma perlomeno non offensiva nei toni – è il primo passo per la graduale presa di consapevolezza di Cher di non aver mai avuto il controllo sulla situazione…

…e di aver guardato sempre dalla parte sbagliata.

Insomma, è ora di parlare di Josh.

Realtà

Josh è la chiave di volta per la maturazione della protagonista.

Sulle prime il loro rapporto sembra il classico enemy to lovers, ma è una dinamica abbandonata non appena il personaggio ha modo di mostrare il suo vero carattere: non uno sfaccendato collegiale, ma un ragazzo timido e insicuro, che cerca rifugio in un’altra famiglia…

…e che, come Cher, ha a cuore gli altri: particolarmente dolce e significativo il momento in cui, alla festa con Christian, la protagonista si rende conto che Tai si senta escluso, ma si rassicura quando vede l’intervento di Josh, che la fa meno sentire fuori posto.

E proprio la realizzazione di essere innamorata del suo ex-fratello, apparentemente improvvisa, invece mette un punto molto interessante al personaggio: non la classica protagonista che cerca il vero amore, ma piuttosto una ragazza che sa cosa è meglio per sé, e che vuole accanto una persona che senta vicina.

Allo stesso modo, Clueless getta una nuova luce su tutti i personaggi – e stereotipi che li accompagnano, svelando una realtà molto più complessa e variegata da quella che viene solitamente raccontata in prodotti similari.

Avventura Dramma romantico Drammatico Netflix Serie tv Thriller

Ripley – La maschera cangiante

Ripley (2024) è una serie TV Netflix ideata da Steven Zaillian, con protagonista Andrew Scott.

Di cosa parla Ripley?

Tom Ripley è un truffatore di New York che ha l’incredibile occasione di diventare amico del rampollo Richard Greenleaf – e di prenderne il posto…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Ripley?

Assolutamente sì.

Ripley è una di quelle perle di Netflix non abbastanza considerate – né pubblicizzate – curata da grandi autori hollywoodiani che scelgono di sporcarsi le mani in una serie TV, creando un prodotto di altissimo livello artistico e di scrittura.

Infatti l’incontro di una regia sublime e sperimentale, la splendida performance di Andrew Scott in uno dei migliori ruoli della sua carriera, unito ad una rappresentazione finalmente non banale dell’Italia, rende questa serie uno dei migliori titoli della stagione.

Occasione

Ripley vive alla giornata.

Un protagonista che non è altro che un piccolo truffatore, che si guadagna da vivere con quella che sembra la sua indole naturale: prendere il posto di qualcun altro, cambiare identità e così riuscire a gabbare il malcapitato di turno.

E l’offerta di Greenleaf è la grande occasione per scoprire una nuova parte, per entrare nelle grazie del giovane Richard e, apparentemente, per riportarlo sui suoi passi, in realtà cominciando fin da subito ad intrecciare un’importante e vantaggiosa amicizia.

Perché la tentazione è troppo forte…

Esterno

Ripley è un osservatore.

Numerose le scene in cui spia la vita di Richard da dietro le quinte, come a studiare la sua prossima, portata in scena dal suo miglior interprete, mentre in quella piccola finestra lontana continua con la sua vita ignaro di tutto.

Richard è infatti un personaggio del tutto innocuo, un dandy viziato che cerca di costruirsi una carriera alle spalle della famiglia, rivelandosi clamorosamente incapace in ogni sua passione – in particolare nei medici risultati artistici.

Come se non bastasse, Richard è una banderuola.

Mancante di una forte identità, Dickie si lascia facilmente trasportare dalla corrente, prima facendosi sedurre dalle lusinghe di Ripley – in particolare la sua presunta onestà – per poi essere rimesso al suo posto dalle insistenze di Marge, che vede un inevitabile contendente in questo nuovo amico.

E questo è il suo più grande errore.

Fuori

Ripley rischia di uscire di scena.

Richard gli concede un viaggio d’addio, una gita in barca per poterlo congedare dalla sua vita nella maniera più cortese possibile, non dicendoglielo neanche direttamente, ma tramite una serie di deboli consigli sull’ampliare la sua esplorazione italiana.

Ma Tom non ci sta.

Dickie diventa la sua prima vittima, la prima persona che il protagonista sceglie di schiacciare con colpi secchi e quasi chirurgici, portando fuori scena il suo personaggio per cominciare a prenderne il posto.

E, allora, è il momento di riscrivere Richard Greenleaf.

Riscrittura

La riscrittura di Dickie è attenta e puntuale.

Tom è consapevole di non poter prendere immediatamente le vesti del personaggio senza conseguenze, in particolare per l’isteria di Marge, e sceglie per questo di alimentare raccontando la più grande paura della donna: un Dickie ormai disinteressato alla sua fidanzata.

Così al telefono Tom si incastona in questa nuova vita creata ad arte di Dickie, che porta le sue passioni semplicemente altrove, lasciandosi alle spalle tutto quello a cui era legato, convincendo Marge che questo nuovo comportamento sia tutta un’idea di Tom.

Ma vi è un personaggio imprevisto.

Impreparato

L’apparizione di Freddie è una wild card.

A differenza di Marge, che si lascia schiacciare dalla sua disperazione, il suo personaggio comprende immediatamente le intenzioni di Ripley, non lasciandosi confondere dall’apparente confusione della proprietaria di casa, ma invece facendone tesoro per smascherare il falso Dickie.

Così la sua uccisione è improvvisa, mal calcolata, e tutto il piano per coprire le sue tracce lo rende visibile a non pochi testimoni, di cui paradossalmente i più utili sono quelli che non possono parlare: il gatto Lucio e le statue della Città Eterna, che spiano le improvvisate malefatte del protagonista.

Ma, come Freddie esce di scena, un altro personaggio minaccia la posizione di Ripley…

Maschera

L’austero ispettore Ravini è l’ultima grande minaccia di Ripley.

Nonostante il detective si dimostri piuttosto acuto e perseverante, nonostante prenda brutalmente il suo posto nella vita e nel salotto del protagonista – occupando tutto lo spazio possibile – si lascia anche facilmente gabbare dalla trama caotica e imprevedibile di Ripley.

E così, per quanto il protagonista cerchi il più possibile di fuggire le accuse di omicidio, per quanto cerchi di scappare dalle grinfie dell’instancabile ispettore, la pesantezza dei sospetti contro Dickie è troppo pressante per essere ignorata.

Per questo, è ora di cambiare maschera.

Nuovo

Nel finale, Ripley intraprende una tortuosa via che lo porta ad essere molti personaggi diversi.

In primo luogo, torna ad essere il vecchio e innocuo Tom, che conferma la convinzione di Marge sul cambio di passo del suo ex fidanzato, che ormai ha lasciato sia Roma che i suoi amici, per imbarcarsi alla volta dell’Africa e far perdere le sue tracce.

Infine, per consolidare la sua posizione, il protagonista crea ad arte un suo alter ego che unisce il mito di Caravaggio e le sue opere colme di ombre artistiche – e morali – al personaggio insospettabile di Tom Ripley, ormai diventato una figura di punta della Venezia da bene.

Infine, un nuovo cambio.

L’ultima maschera è un misterioso commerciante d’arte, che riesce a prendere sulle spalle tutto quello che Ripley ammirava di Dickie, ma nascondendosi dietro ad un nuovo nome, che lo rende ancora più sfuggente e introvabile.

E, allora, Ravini sarà infine capace di smascherarlo?

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Death Parade – Il peggiore di noi

Death Parade (2015) di Yuzuru Tachikawa è serie TV un anime di genere drammatico e fantastico.

Trasmessa in Giappone nei primi mesi del 2015, è arrivata in Italia tramite la web TV Dynit.

Di cosa parla Death Parade?

In un aldilà immaginario, i defunti sono sottoposti a dei giochi apparentemente innocui, in realtà mortali…

Vi lascio il trailer per farvi un’idea:

Vale la pena di vedere Death Parade?

Assolutamente sì.

Death Parade è un ottimo esempio di serie TV anime che riesce a coniugare al suo interno un ottimo equilibrio di temi e di tagli narrativi, passando dai frangenti più drammatici, thriller e quasi orrorifici, fino a momenti invece più spiccatamente comici e leggeri.

Oltretutto nella serie vengono affrontati una grande varietà di concetti filosofici piuttosto fondamentali, come il valore della vita e la volubilità dell’animo umano davanti alle situazioni più spiccatamente stressanti e stringenti.

Insomma, da vedere.

Introduzione

L’introduzione di Death Parade viaggia su due binari.

La primissima puntata – Death Seven Darts – introduce il più semplice degli scenari, per farci mettere il primo piede dentro la porta della serie: una coppia idilliaca di sposi si trova a scontrarsi in un gara apparentemente molto innocua di freccette.

Invece, già qui assistiamo alla prima escalation emotiva dei protagonisti: colpiti nei punti più sensibili, progressivamente si risveglia in loro la memoria delle ombre del loro rapporto, che li porta a scagliarsi gli uni contro gli altri in maniera sempre più feroce.

Poi si cambia prospettiva.

La scena è riproposta dal dietro le quinte, dal punto di vista ancora molto ingenuo di Chiyuki, una giudice apparentemente molto improvvisata ed ingenua e che rimane sconvolta davanti alla crudeltà del gioco, e alla freddezza del giudizio…

…che, fin da subito, si rivela fallace.

Eterno

Il destino dell’umano è duplice.

Superando la banalizzazione del destino infernale e paradisiaco, il defunto viene in realtà messo nella condizione di essere scelto per un annullamento totale del suo essere, il vuoto, la caduta eterna dell’anima spogliata di ogni elemento di concretezza e vita…

…oppure per essere salvato e riportato in un altro corpo terreno: anche nelle peggiori condizioni possibili, non ha comunque dato il peggio di sé, ma ha mantenuto nel complesso un comportamento dignitoso e che merita di continuare ad esistere.

Eppure non è così semplice.

Non vivendo le emozioni umane in prima persona, i giudici si illudono che questo test sia il metodo migliore per definire il valore di un’anima umana, proprio perché l’integrità di della stessa deve essere perpetua e inscalfibile neanche dai peggiori stimoli.

Invece, come ben ci racconta il detective nel suo duetto di puntate, è possibile per ogni essere umano dare il peggio di sé se messo nelle giuste condizioni – come dimostra lui stesso: prima un integerrimo poliziotto, infine uno spietato vigilante.

Per questo, la mancanza di empatia è così squalificante.

Emozione

I giudici sono delle bambole.

Dei burattini che vivono nella totale alienazione rispetto all’umano, che non le comprendono le sfumature, ma anche anzi propongono, in particolare Decim nelle sue prime battute, con una freddezza quasi meccanica i death game che definiscono il destino dei loro ospiti.

In questo modo, però, si perdono le infinite sfumature di significato che definiscono la complessità dell’umano, che non può essere giudicato solamente per una piccolissima parte della sua esistenza…

In questo senso, il concetto di empatia si sviluppa su più livelli.

Altro

L’umano è condannato per il suo egoismo.

I giochi mortali di Death Parade sono proprio per questo volti a comprendere quanto il defunto dia valore alla propria sopravvivenza e quanto invece sia disposto ad empatizzare con l’altro, perfino a sacrificarsi per lo stesso.

Un primo accenno di questa dinamica si vede quando Mayu Arita, una ragazzina apparentemente molto sciocca, sceglie di sacrificare la sua vita per il suo idolo, per arrivare a gettarsi nel vuoto pur di ritrovare l’anima di Harada.

Ma, soprattutto, Decim capisce il concetto dell’empatia grazie a Chiyuki.

La ragazza era stata vittima della sua incomunicabilità, del suo essere incapace di esternare le proprie complesse emozioni, lasciando in vita persone che invece avrebbero potuto aiutarla, avrebbero potuto darle un nuovo motivo per vivere.

E quindi il suo grande insegnamento per Decim è il voler tornare in vita non per un proprio egoismo personale di rivivere e annullare la propria autodistruzione, ma piuttosto per colmare quel vuoto che ha lasciato negli altri.

E se un personaggio così austero come Decim riesce ad accennare un timido sorriso, c’è ancora speranza…